Родители не очень возражали против выбора сына, его отец умер, когда Полю было 17 лет, но оставил неплохое состояние, позволившее тому заниматься любимым делом. Поиски своего пути в живописи привели его к знакомству и дружбе с Сёра, интересовавшегося только творчеством, а Синьяк, будучи его горячим почитателем, взял на себя труд популяризации и даже написал после ранней смерти друга работу «От Делакруа к неоимпрессионизму», опубликованную в 1899 году, и она стала неким манифестом нового направления.
Правда, вскоре он замечает, что «точечный» метод его уже не удовлетворяет, он говорит, что «Я всё больше и больше ненавижу мелкую точку и сухость», и переходит от точек и резких тонов к мазкам и нежному колориту.
Жил художник в Сен-Тропе, обожал море, посвятил ему не только много картин, но и времени, плавая на яхтах, которые он часто менял, писал свои пейзажи с воды. Интересный факт биографии Синьяка – его положительное отношение к советской власти и увлечение соцреализмом, который на собственное творчество, к счастью, не повлиял. Можно видеть отголоски, этого стиля в некоторых работах,
но политика его мало интересовала – его творчество оставалось, радостным и светлым, как и его легкий, общительный характер. Любитель музыки и моря, Синьяк часто давал своим картинам музыкальные названия: «опус», «сюита», «скерцо»… Известность пришла к художнику при жизни, он был награжден в 1911 году Орденом Почетного легиона, у него было много почитателей и друзей - Писсарро, Матисс, Марке, он близко сошелся и с интересом следил за поисками и творчеством художников группы «Наби», о которых мы теперь и поговорим.
«Наби» (фр. nabis от древнееврейского- "נביא" Navi - пророк), возникла в Париже в 1888 г. и просуществовала приблизительно до 1905 г. Название группы отсылало к «мистическому» опыту и «посвященности» в тайные знания участников, что было несколько претенциозно. Она объединила часть молодых французских художников, которые занимали значительное место в художественной жизни Франции 1890-х годов, и называли себя «набидами». Опираясь на опыт импрессионистов, преклоняясь перед Сезанном, используя советы Гогена, изучая японскую гравюру и народный лубок, они искали новый «синтетический» стиль, обнаруживая все возрастающее тяготение к внешней декоративности.
(На этой картине, кроме стоящего слева Сезанна, изображены некоторые члены группы: 1 – Вюйар, 4 – сам Дени, 5 – Сёра, 8 – Боннар, женщина сзади справа – мадам Дени.)
«Синтетизм» Гогена (упрощение изображения, передаваемого яркими, необычно сияющими красками, чрезмерная декоративность, желание «синтезировать» видимый и воображаемый миры) стал эстетической концепцией группы «Наби», из которой выросло затем новое художественное течение «модерн». Портрет не был важной частью творчества художников группы, но (особенно в начале творческого пути) многие из них обращались к портрету. Создателем и вдохновителем группы «Наби» был Поль Серюзье ((1864-1927),
о котором другой член группы, Морис Дени, говорил: «Серюзье казался мне светочем духа высокой культуры, вдохновителем, интеллектуальным и художественным предводителем...».
В 1888 г. Серюзье побывал у Гогена в Понт-Авене, с тех пор считал его своим учителем и вдохновителем. Позднее он обращается к религиозным темам, переняв основы живописи бенедиктинцев, которые произвели на него большое впечатление во время посещения бенедиктинского монастыря в Праге и других европейских городах.
Руководителем группы «Наби» в молодости был и один из наиболее почитаемых французских колористов того времени Пьер Боннар (1867-1947).
На всех художников группы «Наби» сильное влияние оказало искусство японской гравюры, но на творчество Боннара особенно: художник выбирает холсты вертикального формата, что само по себе приближает их к декоративному японскому панно. Всю поверхность полотна занимает фигура человека, остальные детали вводятся для усиления орнаментального начала и достижения цветового равновесия. Боннара даже называли «японствующим набидом».
Несмотря на свою тесную связь с группой «Наби» и даже руководство ею некоторое время в начале пути, Боннар всегда подчеркивал: «Единственное, к чему я стремлюсь, — это создать что-то свое». В 26 лет художник влюбился в продавщицу цветочного магазина, но только через 32 года они официально поженились, ее образ запечатлен почти в 400 картинах, очень часто в обнаженном виде в ванной или за умыванием.
Боннар писал много ню, он стремился проникнуть во внутреннюю интимную жизнь женщины, в ее мир переживаний. Его портреты всегда «согреты» дыханием жизни, искренни и трогательны.
Еще один художник, творчество которого было связано с группой, и который часто говорил о своем безразличии к проблемам жанра портрета, на самом деле, особенно в начале своего творческого пути, интересовался портретом, в том числе и групповым (см. выше – «Апофеоз Сезанна»). Морис Дени (1870-1943)
был не только художником, но и теоретиком искусства «набидов», утверждая, что «роль художника заключается не в рабском подражании природе, а в визуализации грез» - эта мысль уже выражает кредо символизма. Во второй половине своей творческой жизни Дени часто обращался к религиозным сюжетам, многие даже сравнивали его с Фра Анжелико – он изображал, например, сцены из мирской жизни или обычных женщин, окружавших его, но в его портретах ощущается идеализация, особая целомудренность, присущая религиозной живописи, например, в тройном портрете жены.
И еще об одном художнике группы «Наби», прожившем долгую и плодотворную жизнь, работавшем в разных жанрах и техниках, отдававшем дань также фотографии и прикладному искусству. Жан Эдуар Вюйар (1868-1940)
начинал свою творческую карьеру с подражания голландцам, потом увлекся импрессионизмом, а затем попал под влияние Гогена и Тулуз-Лотрека, и, как все «набиды», прошел через увлечение японской гравюрой. Средства к существованию ему давали в основном светские портреты.
Изображая повседневную жизнь, Вюйар представлял ее как нечто таинственное и увлекательное, сам он настаивал на том, что он пишет не портреты, а «людей в их окружении».
«И в самом деле: «окружение» его героев и героинь почти всегда имеет самостоятельную ценность, так что художественная задача автора, как правило, не сводится к портрету» (Ребекка Фрумкина «Э. Вюйар. После импрессионизма»).
Творческое кредо художников группы «Наби» сформулировал Морис Дени в своей статье «От Гогена и Ван Гога к классицизму». Живопись, по мнению Дени, «должна выражать реакцию человеческой души на духовность окружающего мироздания. Показывать отражение духовного Абсолюта в субъективном мире человека.»
Среди немногочисленных женщин-художников того времени интересна судьба Сюзанны Валадон (урождённая Мари́-Клементи́н Вала́д, 1865-1938)
Дочь прачки, не знавшая своего отца, начавшая в 11 лет нянчить чужих детей, работать в бистро, торговать овощами на рынке, а с 15 лет, став акробаткой в цирке, вскоре сорвалась с трапеции и начала помогать матери разносить чистое белье заказчикам. Так и познакомилась с некоторыми художниками Монмартра, стала натурщицей и содержанкой некоторых из них, в том числе Ренура, на некоторых полотнах которого узнается ее образ, а с Тулуз-Лотреком у них была любовь-страсть и творческий союз.
Они были абсолютно свободны от предрассудков, трезво и беспощадно смотрели на жизнь – эта плебейка из низов общества и богатый потомок графской семьи. Именно Тулуз-Лотрек первым увидел ее рисунки, высоко оценил их, показал Дега, и оба посоветовали девушке продолжать заниматься живописью.
Она работала много, серьезно и стала первой женщиной-художницей, принятой в Национальное общество изящных искусств, родила сына (всю жизнь скрывая имя отца), Мориса Утрилло, ставшего известными художником.
Еще один французский художник-неоимпрессионист, теоретик символизма, друживший одно время с Гогеном и разделявший его увлечение клуазонизмом - стиль живописи, заключающийся в использовании разделяющих различные цвета контуров в рисунке - Эмиль Бернар (1868-1941) интересен нам творчеством первой половины жизни.
Позже он уходит в основном в религиозную живопись и подражание средневековому искусству, занимаясь по большей части копированием работ «венецианцев». Интерес представляет его переписка с Ван Гогом, Гогеном, Сезанном, она дает представление о том, что интересовало и волновало великих мастеров живописи того времени.
«Я изучаю молодого Бернара, которого я знаю меньше тебя. Я думаю, вы оба добьетесь его успеха, и ему это нужно. Он, естественно, страдал, и он начинает в жизни, наполненной желчью, чтобы увидеть ту сторону человека. Я надеюсь, что с его разумом и любовью к искусству он однажды увидит, что доброта - это сила против других и утешение для наших собственных несчастий.» (Из письма Гогена Ван Гогу, 1888).
Я не очень люблю примитивизм, но в конце 19 века появился во Франции художник-самоучка, ставший, пожалуй, самым известным представителем этого направления, Анри Руссо (1844-1910), по прозвищу «Таможенник».
Его интересную биографию можно прочитать тут: https://gallerix.ru/read/anri-russo/. В 1886 году, выставив по приглашению Синьяка в независимом салоне четыре свои работы, начинающий художник получит высокую оценку от таких известных живописцев, как Поль Гоген, но его произведения подвергаются осмеянию – академисты утверждали, что даже ребёнок способен так рисовать (знакомые оценки?). Сам же Руссо был простодушно уверен в своей гениальности и продолжал рисовать.
(В этой работе изображен французский поэт Гийом Аполлинер и его муза, французский художник Мари Лоуренсин.) Признание Руссо получил сначала лишь среди самых прогрессивных современников – авангардисты были его лучшими друзьями всю жизнь.
«Творческая манера самого художника отнесена к примитивизму благодаря его самобытному стилю и из-за его любви к итальянским художникам – примитивистам, таким как Фра Анджелико и Джотто, творившим в XIV и XV веках, когда ещё не были открыты законы классической перспективы, именно отсутствие которой и станет настоящей визитной карточкой всего творчества Руссо».
Теперь очень коротко о некоторых художниках-постимпрессионистах других стран. Особенно можно отметить британских художников «Кэмдентаунской группы», специализировавшихся в основном на сценах городской жизни, пейзажах, но и не забывавших о портрете. Среди них Гарольд Джон Уайльд Гилман (1876-1919), называвший свой стиль неореализмом.
В его работах чувствуется сильное влияние Сезанна, Матисса, Гогена и особенно – Ван Гога.
Другой британский художник, также находившийся под сильным влиянием Ван Гога и друживший с Гогеном, Роберт Полхилл Беван (1865-1925)
вел своё происхождение от последнего короля независимого Уэльса. Под влиянием Гогена Роберт Беван в 1904 подключается к движению фовистов, участвует в выставке прогрессивных художников, близких к французскому Салону Независимых, в лондонском Альберт-Холле, пишет в основном пейзажи, животных и портреты.
И третий английский художник, близкий по своей художественной манере к постимпрессионистам, Спенсер Фре́дерик Гор (1878-1914).
Он был первым президентом художественной группы Кэмден Таун, в своем творчестве основное внимание художник уделяет пейзажу, использует приемы пуантилизма, обобщение форм с усилением цвета в духе Гогена и экспрессивными чертами, которые можно сравнить с Ван Гогом. При неоднородности стиля и непрестанных поисках работы Гора, и особенно портреты, выделяются тонким, интимным настроением.
Французское искусство конца 19 века оказывало большое влияние на художников Европы. Бельгийский художник Тео ван Рейссельберге (1862-1926),
познакомившись и подружившись в одной из своих поездок в Париж с Жоржем Сёра, «заразился» пуантилизмом и только через 20 лет, когда уже не стало его друга и учителя, постепенно отошел от этой техники,
переселился на юг Франции и увлекся написанием обнаженной женской натуры.
На мой взгляд, все последователи французских постимпрессионистов были все-таки слабее них, заимствуя техники и манеры, они не достигали той напряженности рисунка и цвета, той обнаженности страстей, той яростной экспрессии и глубокого символизма, которыми полны картины великих французов. Кроме одного – норвежского живописца и графика Эдварда Мунка (1863-1944), одного из первых экспрессионистов, оказавшего огромное влияние на современное искусство.
Начиная свою творческую биографию, как художник-реалист, он получал упреки в небрежности рисунка, нежелании совершенствовать технику, но побывав в Париже во время Всемирной выставки, он напишет в своем дневнике: ««Не следует больше писать интерьеры, читающих мужчин и вяжущих женщин. Им на смену придут реальные люди, которые дышат и чувствуют, любят и страдают…»
Побывав позже еще раз в Париже и посетив «Салон независимых», Мунк увидел, очевидно, работы Ван Гога и Гогена, был поражен и восхищен, а в 1896 году он знакомится в Париже с Гогеном, Дени, Бернаром. Именно в эти годы вырабатывается фирменный «экспрессионистский» стиль Мунка — выразительные линии, упрощённые формы, символичные сюжеты.
Но это уже тема дальнейших разговоров об эволюции портрета в эпоху становления современного искусства. Заканчивая сегодняшнюю тему постимпрессионизма, подчеркну еще раз, что постимпрессионизм – не стиль, не направление в живописи. «Постимпрессионизм - это зонтичный термин, который охватывает множество художников, бывших под влиянием импрессионизма, но использовавших свое искусство в других направлениях.
Однако постимпрессионизм неотделим от импрессионизма. Это две фазы периода разложения традиционной академической системы и перехода к искусству 20 века» («Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия». Под ред. проф. Горкина А. П.; М.: Росмэн; 2007.) Именно тогда зародились такие направления как экспрессионизм, фовизм, символизм, кубизм, модерн…
Как всегда, предлагаю посмотреть видеоклип, в котором около 90 репродукций произведений упомянутых тут художников, музыкальное сопровождение Мориса Равеля.
Ссылки: 1. https://www.wikiart.org/ru/artists-by-art-movement/postimpressionizm
2. https://artrecept.com/zhivopis/stili/postimpressionizm
3..http://www.smirnova.net/articles/portret/portret_v_tvorchestve_postimpressionistov_chast_iii/
4.https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%BE%D1%81%D1%82%D0%B8%D0%BC%D0%BF%D1%80%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B8%D0%BE%D0%BD%D0%B8%D0%B7%D0%BC
Community Info