Франческо Фурини (1603–1646). Лот и его дочери. Около 1635
Итальянский художник Франческо Фурини родился во Флоренции, служил священником в приходе Сант-Ансано ин Муджелло. Здесь он начал писать картины на мифологические и религиозные сюжеты. В произведениях живописца преобладают женские обнаженные фигуры, им свойственен рафинированный, полный эротики идеализм.
В основе сюжета картины Фурини «Лот и его дочери» — миф о порочной связи Лота с дочерьми. По легенде, дочери Лота, оставшиеся без мужей, решили родить потомков от своего отца, напоив его. Сначала в связь вступила старшая дочь, на следующий день — младшая.
Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770). Непорочное зачатие. 1767–1769
В созданных крупнейшим художником венецианской школы многочисленных фресковых циклах видны новизна мировоззрения и размах художественных начинаний, рожденные веком Просвещения. Тьеполо был замечательным декоратором, расписывал церкви и салоны вилл, залы общественных зданий, создавал алтарные образы. Мастер фресок и гравюр обращался к традиции венецианской культуры XVI столетия.
На картине «Непорочное зачатие» Богородица, под чьими ногами изображен земной шар, парит в небе. Ее окружают ангелы, белый голубь, являющий собой символ Святого Духа, раскрыл свои крылья над головой Девы. Превосходство Богоматери над земным злом олицетворяет пальмовое дерево, которое лежит на переднем плане. Мария попирает ногами змея с яблоком в пасти, символизирующего первородный грех. Постулат о том, что Богоматерь — зеркало всех добродетелей, подтверждает изображенное на полотне зеркало.
Живопись Нидерландов
Иохим Патинир. Ладья Харона. 1520–1524
Рогир ван дер Вейден (около 1400–1464). Снятие с креста
Рогир ван дер Вейден (около 1400–1464). Снятие с креста. (фрагмент)
Стремясь постичь возможность художественного отражения внутреннего мира личности, Вейден стал признанным мастером ранненидерландской живописи.
Одной из вершин европейского изобразительного искусства XV века стало его произведение «Снятие с креста». Этот алтарный образ был заказан живописцу гильдией арбалетчиков Левена. Работа является центральной частью не сохранившегося целиком триптиха. В неглубоком пространстве первого плана, на условном золотом фоне, выделяется группа персонажей, уподобленная красивому живописному барельефу. Их несколько удлиненные и угловатые фигуры связаны друг с другом четким линейным ритмом. Лица и жесты окружающих Христа людей выражают разные оттенки горестных переживаний.
Фигура Девы Марии находится в необычном для нидерландской живописи положении: почти повторяет позу сына. Так Ван дер Вейден нарушил существовавшие каноны и показал безусловную преданность матери. Руки Христа и Девы направлены к черепу Адама — это символ сущности искупления грехов. Фламандский художник заставляет зрителя сопереживать, раскрывая мир чувств своих героев.
Иероним Босх (около 1460–1516). Воз сена. 1516
Иероним Босх (около 1460–1516). Воз сена. 1516 (средняя часть)
Иероним Босх — известный нидерландский художник эпохи Северного Возрождения, один из самых загадочных живописцев в истории западного искусства.
В центральной части открытого триптиха «Воз сена» изображена повозка с огромным стогом сена, вокруг которого развиваются все действия и сюжеты картины. Воз влекут семь ужасных полулюдей-полузверей: наполовину львы, собаки, медведи, рыбы, волки. Они символизируют гордыню, деспотизм, жадность, жестокость и другие пороки. За повозкой следуют представители различных сословий, каждый из них стремится ухватить себе сена. Людьми движет жажда наживы, из-за которой они бьют и убивают друг друга. Эти сюжеты представляют собой грехи воровства и распутства. Только сильные мира сего не вмешиваются в драки, потому что этот воз итак принадлежит им. На вершине стога под аккомпанемент служителя Дьявола музицируют люди, за ними стоит, обнявшись, пара влюбленных. В верхней части композиции на золотом облаке изображен наблюдающий за происходящим Всевышний, к милости которого взывает отчаявшийся вразумить людей ангел. Главный мотив картины — человеческая глупость и жадность, из-за которых люди не могут сделать выбор между земными богатствами и возможностью вечно жить в раю.
Иероним Босх (около 1460–1516). Сад земных наслаждений. 1500–1505
Иероним Босх (около 1460–1516). Сад земных наслаждений. 1500–1505 (средняя часть)
Самое известное произведение Босха поражает своей красочностью. Картина, населенная людьми и фантастическими существами, сочетает эротические, алхимические и христианские аллегории.
На левой створке триптиха представлен Рай, на правой — Ад, в центре — сад наслаждений. Здесь обнаженные мужчины и женщины вкушают прелести жизни. Дальний план занимает причудливый фонтан. Средний — девушки с птицами и ягодами на головах, купающиеся в озере, вокруг которого движутся всадники на разных животных. Первый план заполнен развлекающимися людьми. Примечательна компания молодых людей, расположившихся в кустах чертополоха. Слева от них молодой человек, плывущий с девушкой и аистом в большом ярком фрукте по темным водам озера, кормит ежевикой пловцов. Сразу за ними левее изображено несколько больших птиц. Интересна фигура уже немолодого человека, сидящего на спине щегла, он низко опустил голову, словно не желает взирать на происходящее вокруг безобразие.
По мнению одних исследователей, в этой части полотна Босх изобразил еще не изгнанных из рая людей, наслаждающихся жизнью, по мнению других, — обреченный на гибель от потопа погрязший в грехе мир. Но ни одно из высказанных предположений не убедительно.
Сотворение мира и райский пейзаж — тема левой створки триптиха. В центре представлен изящный фонтан — источник жизни, на дальнем плане — обитаемые животными и птицами горы и равнины, на переднем — Бог-творец соединяет Адама и Еву узами брака. Но, как бы намекая на их предстоящее согрешение, вдали мастер изобразил стаю птиц, вылетающую из пещеры, очертаниями напоминающей змея.
На правой створке триптиха — Ад. Дома на дальнем плане горят пламенем преисподней, огненная река уносит туда грешников. В нижнем левом углу людей наказывают за любовь к азартным играм, а среди гигантских инструментов идет безумный концерт. Вероятно, автор высказывался против вытеснявшей в начале XVI века в Нидерландах из церкви пение хора инструментальной музыки. Напротив — сцена ужасной кары за чревоугодие. Ключевое место в композиции створки принадлежит образу человека-дерева. На его голове лежит столешница и стоит волынка, вокруг которой бесы водят грешников. Некоторые исследователи склонны видеть в этом персонаже автопортрет самого мастера.
Предположительно, автор хотел донести до своих современников мысль о том, что Адам и Ева, ослушавшись Бога, обрекли людей на вечные муки.
Питер Брейгель (около 1525–1569). Триумф смерти. 1562
Питер Брейгель (около 1525–1569). Триумф смерти 1562. (фрагмент)
Нидерландский живописец и график Питер Брейгель — один из самых известных и значительных художников, носивших эту фамилию. Брейгель объединил своим творчеством художественные традиции и выражения современного мироощущения Позднего Ренессанса.
Полотно «Триумф смерти» напоминает человечеству о неотвратимости смерти. Автор считает смерть завершением всего, ибо она не оставляет никаких надежд — ни на славу, ни на вечность. Смерть представлена в виде армии скелетов, выставивших вместо щитов гробовые крышки с крестами. Скелеты вершат свой страшный суд, которого никто не избежит — ни царь, ни раб, ни проповедник, ни грешник. Люди, пытаясь спасти от смерти, устремляются в лаз, на крышке которого тоже стоит крест, но это место кажется не спасением, а своеобразной мышеловкой смерти.
Антонис Мор (Моро) ван Дасхорст (между 1517 и 1519–1576 или 1577). Портрет Марии Тюдор. 1554
Антонис Мор ван Дасхорст — нидерландский портретист XVI века, работал при дворах Испании, Италии и Англии. В историю европейского искусства мастер вошел как создатель нового типа парадного аристократического портрета, получившего широкое распространение.
«Портрет Марии Тюдор» — самое знаменитое произведение мастера, считающееся шедевром портретной живописи. Королева Англии (вступила на престол в 1553) изображена сидящей в кресле, обитом роскошным красным бархатом. Ее поза статична, что придает картине церемониальную торжественность. Художник беспристрастно запечатлел внешний облик уже не молодой модели, стараясь выявить характер правительницы. В правой руке Мария Тюдор держит красную розу — геральдический знак своей семьи, в левой — перчатки, украшенные драгоценными камнями. Скупой колорит, точная проработка украшений, напряженная поза королевы передают невероятную твердость, силу и властность ее характера.
Живопись Фландрии
Петер Пауль Рубенс. Три Грации. 1630–1635
Ян Брейгель Старший (Бархатный) (1568–1625). Аллегория Зрения. 1617
Ян Брейгель Старший (Бархатный) (1568–1625). Аллегория Зрения. 1617 (фрагмент)
Фламандский живописец и гравер Ян Брейгель принадлежит к династии художников, родоначальником которой был его отец Питер Брейгель Старший. Мастеру была чужда узкая специализация, поэтому он работал почти во всех жанрах: создавал натюрморты, пейзажи, батальные сцены, мифологические, аллегорические и религиозные сюжеты, а также изображал картинные галереи и животных.
На полотне «Аллегория Зрения» запечатлены прекрасные девы и два малыша-купидона в окружении различных предметов, призванных тешить и радовать зрение. Один из Купидонов держит перед молодой женщиной зеркало, другой преподносит ее подруге букет. На столе перед ней разложены драгоценные камни, у ног — астролябия и телескоп, в центре комнаты — глобус. Люстра в комнате увенчана двуглавым орлом — гербом династии Габсбургов, символом власти над Фландрией. Среди картин, окружающих героев, в правой части композиции можно видеть полотно, на котором изображен Иисус, исцеляющий слепого.
Отметим, что центральные фигуры в картине исполнил Питер Пауль Рубенс — выдающийся представитель фламандской школы живописи.
Давид Тенирс Младший (1610–1690). Эрцгерцог Леопольд Вильгельм в своей галерее в Брюсселе. 1647–1651
Давид Тенирс Младший (1610–1690). Эрцгерцог Леопольд Вильгельм в своей галерее в Брюсселе. 1647–1651 (фрагмент)
На этом полотне Тенирс изобразил картинную галерею эрцгерцога Леопольда Вильгельма, известного ценителя искусства, сравнимого лишь с королем Испании Филиппом IV. Эрцгерцог, будучи наместником в Нидерландах, собрал великолепную коллекцию произведений фламандских и итальянских мастеров. Художник, поступив к нему на службу, в 1651 был назначен хранителем собрания. Он решил увековечить сокровища галереи. Так, благодаря ему был создан «гравированный каталог» собрания, называвшийся «Театр живописи». Также Тенирс написал полотна с изображениями интерьера самой картинной галереи. В представленной работе рядом с экспонатами знаменитой коллекции зритель видит и самого владельца. Полотно сегодня представляет не только художественную, но и историческую ценность, потому что копии произведений знаменитых предшественников живописца исполнены поразительно точно.
Антонис ван Дейк (1599–1641). Автопортрет с сэром Эндимионом Портером. Около 1635
Творчество Ван Дейка, приверженца фламандского реализма, определило развитие упомянутой школы живописи второй половины XVII века в направлении светскости. Художник исключительного дарования и таланта создал образы, характеризующие целую эпоху. Разработанные живописцем типы аристократического и интеллектуального портрета повлияли на дальнейшую европейскую портретную живопись.
На полотне художник противопоставляет себя Эндимиону Портеру, имеющему простое буржуазное происхождение, но добившемуся почета и высоких дворянских титулов. Чтобы продемонстрировать красивую форму головы, тонкие черты лица, непринужденную изящную позу, живописец выгодно изобразил себя в трехчетвертном повороте. Королевский постельничий же выглядит простовато, на его лице нет признаков врожденного благородства. О том, что изображенные на портрете мужчины — приятели, можно судить по положению их левых рук, символически лежащих на камне. Однако кисть художника при этом одета в кожаную перчатку, хотя заметная возле лацкана плаща его правая рука обнажена. Возможно, это намек на характер дружбы героев.
Живопись Франции
Никола Пуссен (1594-1665). Парнас. 1630–1631
На полотне в облике увенчанного лаврами античного поэта Гомера изображен Джамбаттиста Марино, покровитель Пуссена. Герой с книгой в руке стоит на коленях перед Аполлоном, представляя ему свои сочинения и благодарно принимая предложенную чашу. По кругу их обступают нимфы и поэты, ведь гора Парнас в греческой мифологии — место, где живут вдохновение и искусство. Многие персонажи держат в руках различные музыкальные инструменты и театральные маски. В центре картины возлежит обнаженная нимфа Касталия, которая, по легенде, превратилась в ручей, чтобы избежать преследований Аполлона. У источника сидят два амура и протягивают присутствующим чаши с касталийской водой, дарующей талантливым людям вдохновение. Интонацию веселья вносят в работу изображения порхающих ангелочков, держащих в руках лавровые венки.
Композиция этого многофигурного полотна позаимствована художником из фрески Рафаэля «Парнас», которую прославленный итальянец создал для Сикстинской капеллы. Пуссен почти точно скопировал и расстановку фигур, и строгие вертикали деревьев, и даже цветовые соотношения. Круговая композиция и идеально проработанные складки на тогах поэтов свидетельствуют о присутствии в живописи мастера традиций итальянского Возрождения. Красочная насыщенность произведения говорит о влиянии на Пуссена творчества Тициана.
Клод Лоррен (1600–1682). Пейзаж с кающейся Марией Магдалиной. 1636–1638
Клод Лоррен — прославленный французский живописец-пейзажист, рисовальщик и гравер XVII века, один из родоначальников европейского классицизма. Настоящее имя художника — Клод Желе.
«Пейзаж с кающейся Марией Магдалиной» является прекрасным примером творческих поисков мастера. В полотнах Лоррена традиционные пейзажные мотивы приобретают неповторимую красоту и своеобразие.
В этой работе, как и в большинстве других, композиционное построение строится на типичных для классицизма приемах. Художник использует кулисы — деревья, расположенные в правой и левой частях композиции, что сообщает ей симметричность; в центральной части открывается вид на бескрайние равнины, которые у самого горизонта замыкаются тающим в дымке силуэтом гор. На первом плане изображена Мария. Опустившись на колени перед распятием, она обращается к Богу со своим покаянием. Ее фигура, несколько смещенная от центра, озарена неярким светом, что привносит в полотно некоторые интонации театральности.
Художник идеализирует пейзаж, показывая природу совершенной, использует натуралистическую точность и поэтическую одухотворенность, что позволяет ему добиться максимальной гармоничности и выразительности.
Гиацинт (Иасинт) Риго (1659–1743). Портрет Людовика XIV. 1701
Гиацинт Риго — прославленный французский живописец конца XVII — начала XVIII века, один из ведущих портретистов в период царствования Людовика XIV и Людовика XV. За годы творческой деятельности Риго создал множество портретов своих современников. В ранних работах мастера заметно влияние Тициана и Ван Дейка.
«Портрет Людовика XIV» был написан в 1701. Король-солнце представлен стоящим в полном вооружении на фоне долины, где разворачиваются боевые действия. Белая развевающаяся ткань, охватывающая талию модели, своими очертаниями напоминает цветок лилии — геральдический символ Бурбонов. Портрет показывает монарха на вершине его могущества.
В течение последующих семи лет в мастерской художника с этой работы было сделано 34 копии. Популярность художника была столь велика, что среди европейских монархов считалось престижным иметь портрет кисти Риго.
Луи Мишель ван Лоо (1707–1771). Портрет Филиппа, короля Испании. Около 1739
Луи Мишель ван Лоо — представитель прославленной династии французских художников нидерландского происхождения. Будущий мастер учился у своего отца и дяди. Несколько лет он прожил в Италии, затем переехал в Париж, где поступил в Королевскую Академию живописи и скульптуры. В период с 1737 по 1752 был придворным живописцем испанского короля Филиппа V. В 1752 назначен на должность директора Мадридской Академии Сан-Фернандо.
На портрете король Испании изображен облаченным в доспехи и стоящим на фоне пейзажа. Он открыто смотрит на зрителя, эффектно поставив руку в кожаной перчатке на талию, повязанную ярко-алой развевающейся тканью. Мастер прекрасно передал фактуру металла, шелка и кожи. Колорит полотна построен на сочетании приглушенных серых, голубых, зеленых и коричневых оттенков. Виртуозно выписанные яркие акценты не только дополняют и оживляют живописный строй картины, но и привносят в нее интонацию торжественности.
КОНЕЦ
Community Info