Музей Прадо
Спросите человека, собирающегося в Мадрид, почему он так стремится в испанскую столицу, и наверняка услышите в ответ: «Так ведь там Прадо!» Причем ответ этот будет звучать одинаково искренне из уст как серьезного ценителя искусств, намеренного разглядеть новые детали на многократно виденных картинах Гойи и Веласкеса, так и юной гламурной особы, не до конца пока осознающей, что знаменитый музей назван не в честь ее любимой модной марки.
В Прадо стоит попасть всем. Именно он — один из главных символов Мадрида. В городе помимо музеев много всего интересного, но без посещения этого храма искусств визит в столицу Испании будет неполным.
«Prado» в переводе с испанского означает «луг». В Мадриде это был старинный парк, который монархи облюбовали еще в начале XV века. В 1405 по приказу короля Энрике III здесь был построен охотничий дом. Прошло более столетия, и Карл I (он же Карл V Габсбургский) решил возвести на его месте дворец для своего сына Филиппа II.
Работы начались в 1543. Филипп II лично инспектировал строительство и давал указания архитектору. В возведенном дворце разместилась галерея, в которой были собраны замечательные произведения. В 1604, уже во время правления Филиппа III, она полностью сгорела. Король отдал распоряжение незамедлительно восстановить дворец и сделать его еще лучше, чем он был.
За несколько столетий дворец не раз менял свой облик. В эпоху Просвещения, когда особенно трепетным было отношение к естественным наукам, по распоряжению короля Карла III Бурбонского в 1774 в парке был разбит ботанический сад. Позже здесь было построено здание, выдающийся образец позднего испанского классицизма, предназначавшееся для Академии наук, но никогда для этой цели не служившее. Именно оно и стало музеем Прадо.
Памятник Диего Веласкесу перед музеем Прадо
В Прадо художникам разрешают делать копии с полотен.
Статуя на фасаде музея Прадо
В нем разместилась коллекция, до этого времени рассредоточенная в нескольких королевских резиденциях. Испанский двор попеременно пребывал в нескольких дворцах. К XVIII веку цикл был следующим: с января до середины марта — старое королевское охотничье поместье в парке Прадо; Пасха — в Буэн Ретиро в Мадриде; с апреля по июнь — буколические развлечения в Аранхуэсе; конец июня — снова Буэн Ретиро; с июля по октябрь — горная свежесть Ла-Гранха (дворец Сан-Ильдефонсо), конец октября — начало декабря — крепость-монастырь Эскориал; конец декабря — Рождество — возвращение в Буэн Ретиро. В каждом из этих дворцов имелась художественная коллекция.
В 1814 король Фердинанд VII Бурбонский издал указ об учреждении музея. Его официальное открытие состоялось 19 ноября 1819. Первоначально собрание насчитывало 319 полотен. В 1827 музею была передана коллекция картин Академии Сан-Фернандо, принадлежавшая еще Карлу 1. В 1871 в Прадо были переданы на хранение произведения искусства, ранее конфискованные у монастырей и церковных учреждений.
В августе 1936 из-за начала в стране гражданской войны музей был закрыт, его директором тогда был великий Пабло Пикассо. Все ценности вывезли в Швейцарию. Второй столь же масштабный вывоз картин из стен музея состоялся только в 2011, когда в Санкт-Петербурге была организована выставка «Прадо в Эрмитаже». Музей вновь открылся в 1939.
Интерьер музея Прадо
В настоящее время Прадо обладает одной из крупнейших в мире художественных коллекций — около 6000 картин. Кроме того, в нем хранится около 400 скульптур и множество драгоценных ювелирных изделий. Музей ценим любителями искусства за исключительную полноту, с которой в нем раскрыто искусство испанских живописцев: Диего Веласкеса, Эль Греко (почти все важнейшие творения), Франсиско де Гойи-и-Лусьентеса (крупнейшее в мире собрание работ). Здесь также представлены великие имена: Хусепе де Рибера, Франсиско де Сурбаран.
В музее хранятся крупнейшие собрания картин Иеронима Босха, Тициана Вечеллио и Иоахима Патинира. Богато представлены Якопо Тинторетто, Паоло Веронезе, Петер Пауль Рубенс, имеются блестящие образцы творчества Питера и Яна Брейгелей, Рафаэля Санти, Андреа Мантеньи.
В Прадо представлена самая большая коллекция произведений ранних фламандских мастеров. Даже крупнейшие музеи Бельгии по количеству собранных произведений уступают Прадо. Здесь мы находим величайшей художественной ценности творения Рогира ван дер Вейдена, Дирка Боутса, Ханса Мемлинга, Герарда Давида и многих других мастеров. Как не заблудиться в Прадо? Очень просто: при входе нужно запастись бесплатной картой музея. За один раз посмотреть все, разумеется, не получится. Специально для тех, кто хочет увидеть главные шедевры, музей предлагает удобные путеводители по залам. А еще можно заглянуть на сайт http://www.museode/prado.es и ознакомиться с маршрутом бесплатно.
В 2009 музей пошел на беспрецедентный шаг: на сайте были выложены некоторые картины в высоком разрешении, в связи с чем стало возможно рассматривать шедевры в мельчайших подробностях.
Сайт Прадо очень полезен посетителям. Здесь можно не только узнать последние новости, познакомиться с историей музея, но и приобрести билеты. Это особенно важно в разгар туристического сезона, когда к билетным кассам Прадо выстраиваются огромные очереди. Несколько дней в году музей работает бесплатно, но тогда число желающих прикоснуться к прекрасному возрастает уже многократно.
В залах музея художникам разрешено располагаться с мольбертом перед любимыми картинами и делать с них копии. Они-то наверняка уже видели все шедевры и могут сосредоточиться на чем-то одном. А нам столько всего еще надо посмотреть!
Ведь мы в Прадо!
Живопись Англии
Томас Лоуренс. Портрет Марты Карр. Около 1789
Джошуа Рейнолдс (1723–1792). Портрет Джеймса Бурдье. 1765–1766
Рейнолдс — выдающийся английский живописец, организовавший лондонскую Академию художеств и ставший ее первым президентом. В начале своего творческого пути мастер изучал произведения Рембрандта, Рубенса, венецианскую живопись XVI века.
Переосмыслив барочные традиции парадного портрета, Рейнолдс совмещал в своих работах величавость замысла со свободой передачи характера. «Портрет Джеймса Бурдье» отличается тонкой психологической выразительностью и отражает представления автора об идеальной человеческой личности. Правдивый и жизненный образ модели воплощен свободным легким мазком, теплым и сочным колоритом. Композиция кажется динамичной: герой изображен так, словно он взял письмо в руку за секунду до того, как взглянул на зрителя.
Томас Гейнсборо (1727–1788) Портрет Роберта Батчера из Уолтемстоу 1765
Свой творческий путь Гейнсборо начинал как пейзажист, став впоследствии настоящим мастером портрета. Самобытный стиль портретиста, сложившийся под влиянием Антониса ван Дейка и Антуана Ватто, отличает одухотворенная точность в передаче обаяния модели и ее душевных движений. В героях разного общественного положения и возраста зритель угадывает черты характера, внутреннюю свободу, силу.
Представленный портрет, на котором изображен мужчина в парике, относится к ряду работ, написанных за 1760–1770. Для этого этапа творчества художника характерны суровая умеренность и простота, контрастирующие с высокопарным стилем зрелого периода, живописная техника которого отличалась изысканной легкостью, нежностью, игрой мелких разноцветных мазков, перламутровыми оттенками, богатейшими рефлексами.
Живопись Германии
Альбрехт Дюрер. Адам и Ева. 1507
Альбрехт Дюрер (1471–1528). Автопортрет. 1498
Альбрехт Дюрер — один из основоположников искусства Северного Возрождения, немецкий живописец, рисовальщик, гравер, теоретик искусства. Огромное влияние на Дюрера оказали воззрения итальянских гуманистов, которые определили стремление художника к изучению памятников античности. Новое, ренессансное понимание личности Дюрер утверждал в портретах.
Перед нами один из ранних автопортретов художника. Дюрер изобразил себя в легком трехчетвертном ракурсе на фоне окна, за которым виден бескрайний пейзаж. Фигура занимает все полотно, поза спокойная, взгляд сосредоточенный, свет из окна освещает лицо, прекрасно уложенные волосы, руки, изысканный костюм. Поверх плеча наброшен светло-коричневый плащ, стянутый витым шнуром, на руках — тонкие кожаные перчатки. На затененной стене ниже уровня окна можно прочесть по-немецки: «Я написал это с себя. Мне было двадцать шесть лет. Альбрехт Дюрер».
Этой надписью Дюрер заявляет о себе как о самостоятельном художнике-творце. В Германии в то время его все еще рассматривали как мастерового, что для осознававшего масштаб своего таланта живописца было абсолютно неприемлемо. На автопортрете мы видим человека сложной духовной организации, демонстрирующего свою причастность к избранному артистическому миру, свято верящего в свое высокое предназначение художника.
Ханс Бальдунг (Грин) (около 1484/1485-1545). Возрасты человека и Смерть. 1541–1544
Ханс Бальдунг (Грин) (около 1484/1485-1545) Возрасты человека и Смерть 1541–1544 (фрагмент)
Ханс Бальдунг по прозвищу Грин — немецкий живописец и гравер, ученик Альбрехта Дюрера, в мастерской которого работал в 1502–1504. Бальдунга прозвали Грин, возможно, потому, что он любил зеленый цвет. Но в средневековом немецком языке слово «grenen» означало «насмехаться», и прозвище можно объяснить иронией и сарказмом, наполнявшими некоторые произведения художника. В этом случае прозвище Грин можно понимать как «Ханс-насмешник». Творчество Бальдунга весьма разнообразно, оно включает религиозные композиции, произведения на аллегорические и мифологические сюжеты, эскизы витражей и гобеленов, множество графических работ, особенно книжных иллюстраций.
Для мастера очень важна была философская разработка темы смерти в ее аллегорических вариантах, ставшая исключительным явлением в искусстве Германии.
В композиции «Возрасты человека и Смерть» представлена аллегория трех возрастных периодов человеческой жизни. Смерть изображена в виде скелета с песочными часами в руке. Спящий младенец символизирует детство, молодая девушка — юность, изможденная дряхлая женщина — старость.
Изображение Бальдунгом женских фигур демонстрирует, насколько его трактовка обнаженной натуры далека от понимания античности в искусстве итальянского Ренессанса. Утрирование анатомической структуры фигур — черта антиклассическая. Используя элементы гротеска, мастер наделяет образы мощной экспрессией. Полотно производит впечатление принадлежности периоду позднего Средневековья с его образами Апокалипсиса в готическом искусстве.
Лукас Кранах Старший (1472–1553). Охота на оленей и кабанов. 1544
Лукас Кранах Старший (1472–1553). Охота на оленей и кабанов. 1544 (фрагмент)
Немецкий живописец и график эпохи Возрождения, Кранах, получив в 1505 место придворного живописца при дворе Саксонского курфюста Фридриха Мудрого в Виттенберге, несколько лет придворной службы занимался преимущественно гравюрами. Он стал одним из первых европейских граверов, начавших создавать цветные оттиски. Вместе с полагающимися привилегиями художник получил и целый ряд обязанностей, он должен был сопровождать правителя на охоте, участвовать в турнирах и празднествах.
В 1508 Кранах был отправлен с дипломатической миссией в Нидерланды к императору Священной Римской империи Максимилиану I. После этого путешествия он вновь обратился к живописи, стал работать в различных жанрах, расписывал алтари саксонских церквей, писал картины на библейские темы, создавал мифологические композиции и жанровые сцены. Представленная работа относится к упомянутому периоду творчества мастера. На многофигурном произведении изображена грандиозная сцена охоты, участниками которой являются как мужчины, так и женщины. Герои одеты в роскошные наряды, их позы слегка театральны, в них чувствуются страсть к охоте и жажда богатой добычи.
Антон Рафаэль Менгс (1728–1779). Мария Луиза Пармская, принцесса Астурийская. Около 1765
Немецкий художник и теоретик искусства, Менгс был одним из самых известных живописцев эпохи классицизма. Блестящий портретист, он умело сочетал барочную парадность и точную передачу индивидуальных черт модели. Художник был другом и последователем Иоганна Винкельмана, который оказал большое влияние на формирование взглядов Менгса в области теории живописи. Он являлся членом художественных академий Болоньи, Рима, Флоренции, Генуи, Венеции, Аугсбурга и Мадрида, придворным художником короля Саксонии и Польши и короля Карла IV Неаполитанского.
На парадном портрете изображена дочь Филиппа де Бурбона, герцога Пармского, и Луизы Изабеллы Французской, будущая испанская королева Мария Луиза Пармская, принцесса Астурийская. Портрет написан по случаю ее бракосочетания как парный к портрету Карлоса де Бурбона, принца Астурийского, ее мужа. На роскошном платье принцессы — знак королевского ордена Звездного креста. Изысканная элегантность обстановки передает придворную атмосферу.
Живопись Голландии
Филипс Пауверс Вауверман. Лошадь, испуганная, собакой. 1650
Харменс ван Рейн Рембрандт (1606–1669). Софонисба принимает чашу с ядом. 1634
Рембрандт — выдающийся голландский живописец, рисовальщик и офортист. Его творчество, проникнутое стремлением к философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства XVII века, один из величайших взлетов мировой художественной культуры.
Картина «Софонисба принимает чашу с ядом» является ранним произведением Рембрандта на историческую тему. Римский полководец Публий Корнелий Сципион Африканский, завоеватель Карфагена, победил в союзе с царем Восточной Нумидии Масиниссой царя Западной Нумидии Сифакса. Жена Сифакса Софонисба, дочь карфагенского царя, умолила Масиниссу избавить ее от римского плена. Масинисса, покоренный красотой Софонисбы, взял ее в жены, чем вызвал гнев Сципиона. Желая оправдаться перед Сципионом и спасая Софонисбу от позора, Масинисса послал ей яд.
В облике героини угадывается портрет жены художника Саскии. Софонисба в роскошном одеянии, не скрывающем будущего материнства, в украшениях с жемчугами сидит у стола, покрытого ковром, на котором лежит манускрипт. Коленопреклоненная служанка подает ей напиток в чаше, сделанной из раковины наутилуса. Жест Софонисбы можно трактовать как принимающий и одновременно защищающий зародившуюся в ней жизнь. Старуха, стоящая в глубине в тени, с выражением горестного сочувствия наблюдает за этой сценой: Софонисба, не желая украсить собой победу Сципиона, предпочла выпить яд. Главным повествователем в картине у Рембрандта становится свет. Самая светоносная фигура — героиня, стоящий перед ней кубок-наутилус, как роковое отражение, обладает странным, золотисто-перламутровым сиянием, завораживающим и смертоносным.
Адриан ван Остаде (1610–1685). Деревенский концерт. 1630–1640
Адриан ван Остаде является одним из самых известных представителей семьи голландских художников, мастером крестьянского бытового жанра, рисовальщиком и офортистом, учеником Франса Халса.
В картине ощущается влияние Адриана Браувера — автора брутальных простонародных сцен. Несмотря на многосложный рембрандтовский тональный колорит, выдержанный в золотисто-охристой гамме, и эффектную передачу светотеневых переходов, произведение со всей полнотой воплощает гротескный, комически-пародийный характер «крестьянских сцен» Остаде и принадлежит к числу его ранних композиций. Вместе с тем в образах музицирующих крестьян с их подчеркнутой экспрессией жестов и выразительной мимикой художник раскрывает общечеловеческое начало, активность и непосредственность, полноту жизненных сил, умение извлекать из жизни ее простые, нехитрые радости.
Виллем Клас Хеда — один из выдающихся мастеров голландского натюрморта первой половины XVII века. Художественное образование получил у Гиллиса и Ван Дейка. Работал в Харлеме, где в 1631 был принят в гильдию святого Луки. В начале творческого пути художник писал портреты и картины на религиозные сюжеты, однако в зрелые годы, находясь под сильным влиянием Питера Класа, стал создавать исключительно натюрморты, преимущественно «завтраки» — особо популярную в Харлеме разновидность натюрморта.
В отличие от полотен Класа работы Хеды отличаются большим разнообразием форм и фактуры изображаемых предметов, тонкой передачей световоздушной среды. Как правило, они включают серебряную, оловянную, фаянсовую, нередко золоченую посуду, а иногда венецианское стекло и раковины. Нередко художник привносил в свои работы иносказательный смысл, что было связано с популярнейшей в XVII веке темой бренности всего сущего. В «Натюрморте с часами» это показано через опрокинутый кубок, разбитый бокал (ремер), орехи, лежащие на блюде часы. Картину отличают богатство световых и цветовых нюансов, естественность и строгость продуманной композиции. Все изображенные предметы выступают не только спутниками, но и безмолвными свидетелями жизни человека.
Живопись Голландии
Хуан де Фландес (около 1460–1519) Портрет девушки Около 1496–1505
Хуан де Фландес — испанский живописец, один из крупнейших представителей Возрождения, был родом из Нидерландов. Его прозвище указывает на происхождение, а настоящее имя осталось неизвестным. Фландес был художником при дворе королевы Изабеллы. Его творчество можно отнести к так называемой испано-фламандской школе живописи Кастилии, страны, в которой в тот момент в художественном отношении преобладало нидерландское влияние. Работам Фландеса присущи черты, характерные для Северного Возрождения, в частности, ощущается влияние Яна ван Эйка, Гуго ван дер Гуса и Михеля Зиттова. В произведениях отразились типичные черты нидерландской портретной живописи XV века: внимание к человеческой личности, ее духовной и психологической глубине, передаваемой с неповторимой пластичностью и выразительностью. Считается, что Фландес написал несколько портретов представителей правящей испанской династии.
Кисти мастера принадлежит и этот прелестный погрудный портрет юной испанской принцессы, возможно, Каталины Арагонской. Нераскрывшийся бутон розы в руке девушки — эмблема Тюдоров — символизирует ее чистоту. По всей вероятности, портрет написан в преддверии ее помолвки с Артуром, принцем Уэльским.
Алонсо Санчес Коэльо (около 1531–1588). Портрет инфанта Карлоса. 1555–1559
Санчес Коэльо — испанский живописец, португалец по происхождению, основатель национальной испанской школы портрета, испытывавший влияние маньеризма. С 1557 Коэльо являлся придворным художником Филиппа II. Испанские исследователи называют Коэльо «мастером серого цвета» — он превосходно передавал цветовые градации, отлично владел гаммой серых и серебристых тонов. Одна из величайших находок в испанской живописи — это выработанный им прием использования нейтрального серого фона вместо пейзажа и интерьера, принятых в итальянских ренессансных портретах.
На нейтральном фоне полотна изображен принц Карлос, наследник испанского трона, сын Филиппа II и его первой жены Мануэлы Португальской. Коэльо сильно идеализирует облик принца, который родился с серьезными физическими уродствами. Наброшенный поверх камзола плащ, отороченный мехом рыси, и фронтальная поза позволили художнику замаскировать телесные недостатки модели.
Хуан де Фландес (около 1460–1519). Воскрешение Лазаря. 1514–1519
Доска является частью алтаря церкви Св. Лазаря в Паленси и представляет одно из чудесных деяний Христа — воскрешение из мертвых. Этот евангельский эпизод содержится в текстах Иоанна Богослова. На глазах у зрителей Христос сотворил величайшее чудо, доказав свою двойственную природу как Сына Божьего и Сына Человеческого и утвердив свою власть над смертью. Действие разворачивается на фоне ветхой стены с арочным проемом, за ней виден храм. Фландес активно включает в художественный контекст принятые в искусстве Северного Возрождения иносказания. Свидетели чуда теснятся под полуразрушенной аркой, что указывает на Ветхий Завет. Но чудо свершилось, и, как повествует Иоанн Богослов, многие видевшие это уверовали в Иисуса. Тем самым, по слову Иисуса, был возведен храм новой веры, который уже виден и скоро полностью предстанет перед людьми, как только рухнет стена Ветхого Завета, и над миром воссияет Новый Завет. Колорит всей композиции обладает особой цветовой пластичностью, художник мастерски передает пейзаж, детали событий, душевное состояние персонажей — от сомнений до полного уверения. Слитность красочного слоя в полной мере соответствует тому духовному единению людей, которое проповедует новое учение Христа.
Эль Греко. Дворянин с рукой на груди. Около 1580
Эль Греко (1541–1614) Троица 1577–1579
Художник представил Троицу в композиции «Оплакивания Христа»: в окружении ангелов Бог Отец принимает тело Своего Сына, а вверху парит голубь — символ Святого Духа. Здесь мы видим характерное для дальнейшего творчества живописца влияние маньеризма: резкое удлинение пропорций и ракурсный излом человеческой фигуры. Большое внимание уделено колориту. Эль Греко взял из венецианской цветовой системы ее византийскую основу, он добивался невероятной светозарности красок: сопоставляя ярко-желтые и холодные синие, изумрудно-зеленые и огненно-красные тона. Использование белил, цветовые рефлексы желтого на темных поверхностях придают гамме чрезвычайную эмоциональную напряженность.
В основе композиции лежит известная гравюра Альбрехта Дюрера. На цвет и рисунок данной работы оказали влияние римские и венецианские мастера, в частности, яркая живописная палитра связана с творчеством Тинторетто, а сложные изменения ракурсов фигуры Христа свидетельствуют о пристальном внимании к произведениям Микеланджело.
Это раннее алтарное изображение было выполнено для аттика главного запрестольного образа в церкви Санто-Доминго эль Антигуо в Толедо.
Community Info