Рафаэль Погосян (rafik_jan) wrote in lovers_of_art,
Рафаэль Погосян
rafik_jan
lovers_of_art

Categories:

Галерея Тейт. Лондон (четвёртая часть)

Искусство XX века


61-Фрэнк Бернард Дикси (1853–1928) Две короны 1900.jpg

Фрэнк Бернард Дикси (1853–1928). Две короны. 1900



Фрэнк Бернард Дикси — английский живописец и иллюстратор, автор картин на драматические исторические сюжеты. Последние четыре года жизни он являлся президентом Королевской академии художеств. Дикси — представитель целой династии: его отец Томас был известным художником, по чьим стопам также пошли другой сын Герберт и дочь Маргарет. В 1927 мастер получил от Георга V Королевский Викторианский орден.

Первый успех живописцу принесли портреты молодых женщин. Хотя Дикси не был членом «Братства прерафаэлитов», но многие из его работ можно считать написанными в стиле этого художественного сообщества.

Две короны, о которых говорит название картины, — это золотая королевская корона, которой увенчан всадник на коне, купающийся в лучах земной славы, и терновый венец Христа на Распятии, встречающегося этому средневековому монарху на его триумфальном пути. Художник, очевидно, пытается внушить зрителю, что король осознает тщету земного существования, бренность власти и успеха и проникается высшими этическими идеалами. Христианский рыцарь для английского джентльмена был образцом для подражания на протяжении большей части XIX века.


62-Поль Сезанн (1839–1906) Садовник Валье. Около 1906.jpg

Поль Сезанн (1839–1906) Садовник Валье. Около 1906



В 1906 уже состарившийся Поль Сезанн жил в Эксе, замкнуто, почти ни с кем не общаясь. Он обустроил свою мастерскую, перенес туда мольберт, кое-какую мебель. Для ухода за садом художник нанял садовника Валье. Старика тянуло к старику, и Валье служил мастеру моделью.

На таких людях, как Валье, лежит печать вечности. Все преходяще в мире Сезанна, даже горы, лишь человек не хочет подчиняться этому закону. Отсюда особая героическая монументальность образов. Прав Лионелло Вентури, когда отмечает, что «крестьянин, написанный Сезанном, индивидуален, как портрет, универсален, как идея, торжествен, как монумент, крепок, как чистая совесть».

Валье на портрете производит впечатление необычайно цельной личности, он воплощает духовную самодисциплину. Сезанн убежден, что в человеке сконцентрированы особый порядок, стойкость и цельность существования, поистине величавая сдержанность. Но, помимо этого, люди мастера обладают и подчеркнутой склонностью к длительному раздумью, размышлению, способностью необычайно долго и пристально вглядываться в окружающий мир.



63-Бертрам Макеннал (1863–1931) Раненая Диана 1907.jpg

Бертрам Макеннал (1863–1931). Раненая Диана. 1907



Австралийский скульптор Бертрам Макеннал родился в Мельбурне. Юноша пошел по стопам отца, ирландца по происхождению, в 18 лет оказался в Лондоне, учился в Королевской академии искусств. Совершив поездку в Париж, где некоторое время работал у Огюста Родена, Макеннал вернулся в Англию, привлек внимание архитекторов своего времени (эпоха короля Эдварда VII), поскольку его псевдо- или необарочный стиль гармонировал с их постройками. Мастер сделал скульптуры для военных мемориалов в Англии и Австралии, прославился надгробием короля Эдварда VII в Виндзоре. Ему принадлежит дизайн медали Олимпийских игр 1908, проходивших в Лондоне. Затем Макеннал исполнил коронационную медаль для короля Георга V и одну из монет британской валюты. В 1921 он стал Рыцарем-Командором Викторианского ордена.

Диана была богиней Луны, поэтому Макеннал наделил ее диадемой в форме полумесяца. Она также являлась главной античной охотницей, потому могла быть ранена и перевязывать ногу. Автор поставил перед собой задачу показать сложный ракурс фигуры, и блестяще решил ее.

Скульптура была приобретена государством как национальное достояние. Это упрочило авторитет мастера.



64-Лоуренс Альма-Тадема (1832–1912) Любимая привычка 1909.jpg

Лоуренс Альма-Тадема (1832–1912). Любимая привычка. 1909



Данная картина Лоуренса Альма-Тадемы написана на излюбленную им тему — жизнь и нравы Римской империи, в разработке которой он добился больших успехов. Его произведения, быть может, являют собой лучшее и наиболее верное художественное воплощение образов Римской империи.

На картине «Любимая привычка» запечатлен один из моментов римской банной церемонии, детально разработанной. Это был целый комплекс процедур, принимаемых в разных частях терм. На заднем плане — так называемый аподитерий (здесь посетители раздевались), на переднем — фригидарий: прохладный зал с бассейном, наполненным холодной водой, в котором плещутся две девушки. Художник не изобразил другие помещения терм: тепидариум (с температурой выше 40°), кальдариум (60°), судаториум, или лаконикум, кипокауст (90°) и лавариум (здесь обливались водой и натирались ароматическими маслами).

Работа основана на фотографии остатков городской бани в Стабиане (Помпеи), выявленных археологами в 1824. (В настоящее время там организован музейный комплекс.) Автор сделал помещения более роскошными, написав мраморный пол и стены, известные по большим императорским термам. Как всегда у Альма-Тадемы, восхищает мастерство, с которым воссоздан интерьер, персонажи, вода в бассейне, вся историческая обстановка.



65-Дэвид Бомберг (1890–1957) Грязевые ванны 1914.jpg

Дэвид Бомберг (1890–1957). Грязевые ванны. 1914



Дэвид Бомберг — один из крупнейших английских художников XX века. Обладая особым талантом, он прошел сложный путь непонимания. Поступив в 1911 с помощью Джона Сингера Сарджента и Еврейского общества помощи образованию в Слейдовскую школу искусств, затем был отчислен из нее. Причиной стали его радикальные художественные взгляды, не вписывавшиеся в деятельность учебного заведения. В молодые годы автор испытал влияние П. Пикассо и А. Модильяни. Бомберг являлся членом «Лондонской группы», основанной в ноябре 1913. В ее состав входили художники-авангардисты, следовавшие в фарватере большинства модных течений того времени. В 1933 мастер посетил СССР, и некоторые исследователи отмечают влияние советского конструктивизма в его дальнейших работах. В последние десять лет жизни, будучи преподавателем, он оказал огромное влияние на формирование целой творческой школы. При жизни работы художника часто встречали непонимание и отторжение, и лишь в последние двадцать лет значение его творчества в контексте мирового искусства было наконец оценено по достоинству.

Способ, которым Бомберг трансформирует человеческие фигуры в геометрические формы, отражает его увлечение машинами и «машинной эстетикой», которую автор использовал совместно с футуристами. Его техника сведения человеческой фигуры до основных геометрических элементов открыла дорогу распространившимся впоследствии приемам графических воплощений человеческих действий, в сущности, пиктограммам (например, в сфере регламентации дорожного движения). Но современная криптограмма лишена экспрессии, в то время как геометрические фигуры Бомберга обладают ею в очень большой степени. Это и делает работы художника столь значимыми.

Сцена, воспроизведенная на данной картине, «подсмотрена» автором на грязевых ваннах неподалеку от своего дома в Лондоне, которые использовались местной еврейской общиной и имели религиозное значение. Возможно, они были местом и для физической, и для духовной очистки.



66-Джорджо де Кирико (1888–1978) Меланхолия отъезда 1916.jpg

Джорджо де Кирико (1888–1978). Меланхолия отъезда. 1916



Джорджо де Кирико — итальянский художник и теоретик искусства, один из предвестников сюрреализма.

Середина 1910-х в творчестве мастера отмечена темой меланхолии и ностальгии. Ряд картин назван им соответственно, и, действительно, в них такое настроение присутствует в большей степени, нежели в работах позднего времени. Можно назвать произведения «Меланхолия прекрасного дня» (1913), «Меланхолия политика» (1913), «Вокзал Монпарнас» (1914), «Тайна и меланхолия улицы» (1914), «Ностальгия по поэту» (1914), «Меланхолия и мистерия улицы» (1914). На данной картине окно и географическая карта с намеченным на ней пунктиром маршрутом ясно указывают на идею путешествия, побега из замкнутого пространства студии. Художник еще ребенком, когда жил в Греции, чувствовал себя отделенным от своей итальянской родины, и плавание аргонавтов отождествлялось в его сознании с возвращением туда. Он представлял свой путь «из глубины и заточения» через «безграничный океан». Эта работа была создана, когда де Кирико вернулся из Парижа в Италию, в Ферраре, во время войны. Он служил клерком в итальянской армии, но при этом имел возможность заниматься живописью.



67-Пауль Клее (1879–1940) Приключение молодых дев 1922.jpg

Пауль Клее (1879–1940). Приключение молодых дев. 1922



Пауль Клее — швейцарский художник, график и теоретик искусства. Он не принадлежал ни к одному течению, соединив в творчестве традиции постимпрессионизма, кубизма, наивного искусства и экспрессионизма. В 1920-х мастер преподавал в Веймаре в Баухаузе (Высшая школа строительства и художественного конструирования).

Специалисты расходятся в толковании содержания и смысла этой картины, как и других произведений тех направлений в живописи XX века, к которым принадлежал Клее. Немецкий искусствовед В. Грохманн, друг художника и автор монографии о нем, изданной еще в 1921, видел в женской фигуре «светскую даму, которая, несмотря на свою поразительную элегантность, довольно беспомощна в окружающей ее гнетущей атмосфере». Другая трактовка: в Баухаузе эта картина считалась «Портретом английской мисс». Швейцарский искусствовед Кристиан Гелхар, в прошлом куратор базельского Художественного музея, автор книги «Пауль Клее. Жизнь и работа», убежден в том, что на произведении запечатлены опасные сексуальные приключения молодых женщин.



68-Пит Мондриан (1872–1944) Композиция желтый, синий, красный 1937–1942.jpg

Пит Мондриан (1872–1944). Композиция желтый, синий, красный. 1937–1942



Пит Мондриан — нидерландский художник, положивший одновременно с Кандинским и Малевичем начало абстрактной живописи. Его картины, представляющие собой сочетания прямоугольников и линий, являются примером наиболее строгой, бескомпромиссной геометрической абстракции в современном искусстве.

Долгое время считалось, что картина писалась в 1939–1942. Если это так, то художник начал работать над ней, будучи в Лондоне, и закончил, поселившись в Нью-Йорке. Между тем, как установил американский исследователь его творчества Роберт В. Уэлш, этот холст запечатлен на одном из снимков парижской студии Мондриана, сделанном голландским фотографом Оортуисом. Иными словами, картина в определенной степени законченности существовала уже в 1937, теперь эта датировка принята в галерее Тейт. Более того, обнаруженная фотография позволяет узнать, в каком направлении велась работа самим художником, что менялось в композиции.

В Галерее хранятся шесть произведений автора, два из них близки по стилю данному и образуют своеобразный цикл. Очевидно, мастер был занят идеей поиска гармонического сочетания чистых цветов в сопоставлении их масс на плоскости картины. В этом смысле его эксперименты близки подобным поискам В. Кандинского.



69-Сальвадор Дали (1904–1989) Метаморфозы Нарцисса 1937.jpg

Сальвадор Дали (1904–1989). Метаморфозы Нарцисса. 1937



Сальвадор Дали — испанский живописец, скульптор, режиссер, писатель. Самый известный представитель сюрреализма, говоря о себе как о гении (редкий случай!), был прав. Его картины поражают и восхищают не только своими идеями и образами, но и чисто живописным мастерством. Эти два обстоятельства совершенно исключают возможность какой-либо фальсификации.

Когда «Метаморфозы Нарцисса» были впервые представлены зрителям, показ сопровождался изданием, в котором сам автор дал пространный прозаический и поэтический комментарий.

Согласно греческой мифологии, Нарцисс — юноша, осужденный любить лишь свое отражение в воде в наказание за то, что отверг Эхо. Миф о нем имеет две версии. По одной, герой зачах, не в силах утолить свою страсть. Другая более драматична: он склонился к воде, чтобы обнять отражение, упал туда и утонул, а в память о нем остался красивый, благоухающий цветок, венчик которого так и клонится книзу, словно желая еще раз полюбоваться собою.

Дали изображает Нарцисса сидящим у воды и глядящим в нее, рядом стоит разрушающийся камень, близко повторяющий очертания его фигуры, но воспринимается уже по-иному — как рука, держащая луковицу или яйцо с растущим из него цветком. На заднем плане жестикулируют обнаженные люди, в то время как третья нарциссоподобная фигура появляется на горизонте.

Дали в интерпретации античного мифа использует поговорку своего народа: «Луковица в голове проросла». Она означает навязчивые идеи, одна из них — самовлюбленность молодого человека. Но и это не единственная аллюзия! Золотистый цвет кожи Нарцисса вводит литературную параллель к «Метаморфозам» Овидия, его рассказу о Нарциссе: «… золотой воск медленно тает и утекает от огня… так тает и утекает любовь». Дали отождествлял себя самого с Нарциссом: «Да, Нарцисс — это я» (из комментария к картине).



70-Рене Магритт (1898–1967) Благовещение 1930.jpg

-Рене Магритт (1898–1967). Благовещение. 1930



Бельгийский художник-сюрреалист Рене Магритт известен как автор остроумных и поэтически загадочных картин.

Эта странная и таинственная картина с трудом поддается внешнему толкованию: ее детали кажутся столь нереальными (за исключением, пожалуй, только деревьев, но и тут возникает вопрос, почему именно они, а не что-то другое оказались изображенными в приближенной к реальности манере), что можно только строить догадки о содержании и смысле картины. Что в ней, собственно, говорит или указывает на Благовещение? Кто внимает этой вести? Евангельское ли это Благовещение? Одни грозные вопросительные знаки. Но, с другой стороны, в этой непредсказуемости и загадочности, а отсюда и многовариантности толкования работы — весь Магритт.

Объекты в центре на холста кажутся некими цилиндрами (трубами), сделанными из листового железа и украшенными колокольчиками. Справа от них — две балясины, наподобие шахматных фигур. Магритт называет подобные предметы в своих картинах «bilboquet» (от названия французской игры, для которой нужны мяч и бита). Их пропорции в сравнении с ландшафтом кажутся фантастически преувеличенными, что создает ощущение диспропорции и переводит все в область фантазии. В этой картине, названной «Благовещение», возможно, заключается иронический намек на враждебность к католицизму, которую можно отметить у французских сюрреалистов. С другой стороны, это название заставляет предполагать, что ожидается нечто экстраординарное, быть может, даже жуткое (если учесть зловещий вид ландшафта).



71-Генри Мур (1898–1986) Струнная фигура 1938–1969.jpg

Генри Мур (1898–1986). Струнная фигура. 1938–1969



Генри Мур — скульптор и художник, один из крупнейших представителей искусства XX века. Жизненный выбор он сделал после окончания Первой мировой войны, в которой принял участие. Мастер учился в Художественном колледже в Лидсе и Королевском художественном колледже в Лондоне, где впоследствии преподавал с 1924 по 1932.

Мур всегда интересовался скульптурой Древней Греции, этрусков и майя. В результате этого увлечения он обратился к созданию подчеркнуто материальных форм, символизирующих природное, земное начало. На их основе строятся работы мастера, среди которых преобладают женские фигуры и композиции на тему семьи и материнства. Его творчество эволюционировало от произведений, близких к реальным объектам, до абстракционизма.

Первая, деревянная, версия данной скульптуры была утрачена во время Второй мировой войны. В 1960 Мур сделал ее модифицированный вариант в гипсе, а затем отлил в бронзе. На использование автором проволочных нитей (струн) в этом и других изваяниях конца 1930-х оказало влияние творчество русско-американского скульптора Наума Габо (Наум Борисович / Нехамия Беркович Певзнер) с его необычным формированием художественного пространства. Мур развил его идеи и применил этот метод не только как переплетение нитей вне изваяния, но и как их проникновение сквозь твердую массу его тела.



72-Джексон Полок (1912–1956) № 23 1948.jpg

Джексон Полок (1912–1956). № 23. 1948



Джексон Полок — американский художник, идеолог и лидер так называемого абстрактного экспрессионизма, оказавший значительное влияние на искусство второй половины XX века.

Начиная с 1947 мастер стал применять изобретенную им технику: на холсты больших размеров, которые расстилались на полу или развешивались на стенах, он, не прикасаясь кистью к поверхности, разбрызгивал с нее краски. Иными словами, автор не пишет картину, а окропляет краской. Данную технику стали называть капанием или разбрызгиванием. Сам художник предпочитал называть это техникой льющейся краски. Конечно, возникает проблема содержания такой работы и степени преднамеренности ее создания. Если в импульсе, который автор придает моменту капания или разливания краски, можно усмотреть творческое начало, то поведение капель или струй — дело случая. Тем не менее художник утверждал (и нельзя это не признать), что в разливах имеется определенная гармония. Мастер признавался: «Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

Отсутствие в работах Полока сюжета заставило его обозначить многие просто номерами, как данную. В этом, однако, он отнюдь не был новатором — достаточно вспомнить нумерованные абстрактные композиции В. Кандинского.



73-Марк Ротко (1903–1970) Светло-красный на черном 1957.jpg

Марк Ротко (1903–1970). Светло-красный на черном. 1957



Настоящее имя американского художника-абстракциониста Марка Ротко — Маркус Роткович. Он родился в России, в Двинске, но в 1913 семья эмигрировала.

Ранние произведения Ротко представляют собой композиции, романтические по духу и стилистически близкие экспрессионизму. В 1940-е он перешел от мечтательных полуабстрактных работ на сюжеты из греческих трагедий к беспредметным формам. К началу 1950-х Ротко упростил структуру своих картин до двух, иногда трех зон яркого чистого цвета. Именно произведения этого стиля составляют славу художника, их стоимость высока. Так, картина «Белый центр» («Желтое, розовое и лиловое на розовом») была выставлена на торги «Сотбис» за $40 млн. Комментарий эксперта торгового дома Тобиаса Мейера к полотну «Почитание Матисса», проданному на аукционе «Кристис» за $22 млн, представляющему собой полосы различных цветов: «Здесь ничего объяснять не надо — просто прекрасно».

Автор формулировал свою задачу как «простое выражение сложной мысли». Воплощение этого кредо — прямоугольные полотна большого размера с парящими в пространстве плоскостями «живописи цветового поля».

В галерее Тейт хранится 13 работ художника.



74-Виктор Вазарели (1908–1997) Сверхновое 1959–1961.jpg

Виктор Вазарели (1908–1997). Сверхновое. 1959–1961



Виктор Вазарели — французский художник, график и скульптор венгерского происхождения, один из основателей авангардистского течения оп-арта. Оп-арт (сокращенный вариант от английского «optical art» — «оптическое искусство») — художественный стиль второй половины XX века, использующий различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Живопись Вазарели представляет собой композиции, составленные из однородных по форме, но разноцветных линий и пятен, располагаемых в определенном порядке. Обыгрывая цветовые контрасты, соседство выпуклых и вогнутых форм, сплетая замысловатый узор на основе различимых невооруженным глазом штрихов и точек, художник создает на холсте подвижное цветовое пространство. Эта характеристика его творческого метода в целом, кажется, особенно согласуется с данной работой.

Черно-белые картины, которые Вазарели писал начиная с 1954, появились в результате его опытов в сфере так называемого кинетического искусства. Позже, в 1964, он говорил, что считает тему «Суперновое», как и все свои «кинетические композиции», составной частью монументальной работы, интегрированной с архитектурой.



75-Ричард Гамильтон (1922–2011) По поводу решительного заявления о грядущих тенденциях в отношении мужской одежды и аксессуаров. (А) Вместе давайте и…

Ричард Гамильтон (1922–2011). По поводу решительного заявления о грядущих тенденциях в отношении мужской одежды и аксессуаров. (А) Вместе давайте и…



В 1950 в Англии образовалось содружество художников и писателей, определившее себя как «Независимая группа». Ричард Гамильтон стал его активным членом. Площадкой для дискуссий на темы стиля в искусстве стал Институт современного искусства в Лондоне. Члены сообщества своей деятельностью, творческой (созидательной) и агитационно-пропагандистской, весьма способствовали развитию поп-арта в Великобритании.

Эта картина (хотя она представляет собой скорее коллаж) — образец поп-арта. В ней художник исследует, в какой мере идеалы мужественности и мода определяются технологическим уровнем общества. Время, когда создавалась работа, — начало 1960-х. Оно отмечено гонкой в освоении космоса, кульминационными моментами которой были отправка первого человека в космос (Ю. Гагарин) и высадка первого человека на Луне (Н. Армстронг). Отсюда элементы картины — скафандр космонавта (сам космонавт — кажется, Джон Кеннеди). Космос — это звезды, отсюда становится ясным подзаголовок произведения. Исследование Гамильтоном языка рекламы и массовой культуры посредством живописи и коллажа сделано одновременно как с целью критики, так и из желания наделить свое творение поэтическим чувством и экспрессией. Мастер понимал, что художник в среде мегаполиса XX века оказывается в положении производителя и потребителя массовой культуры. В конце концов от зрителя зависит, принимать ли эту работу всерьез или видеть в ней иронию.



76-Виллем де Кунинг (1904–1997) Фигура, сидящая на скамье 1972.jpg

Виллем де Кунинг (1904–1997). Фигура, сидящая на скамье. 1972



Виллем де Кунинг — крупнейший художник и скульптор второй половины XX века, один из лидеров абстрактного экспрессионизма. Он родился в Роттердаме, но в 1926 эмигрировал в США. Индивидуальная манера мастера, сначала как живописца, сложилась на рубеже 1930-1940-х под влиянием Пикассо и Миро. В первую очередь в этом качестве он получил мировое признание. В 1964 президент США Линдон Джонсон наградил художника медалью Свободы, в 1979 де Кунинг стал кавалером голландского ордена Оранж-Нассау. В 2006 одна из картин его цикла «Женщины» была продана за $136 млн, став вторым по стоимости купленным предметом искусства. В 2011 в нью-йоркском Музее современного искусства прошла выставка произведений мастера, вызвавшая огромный резонанс.

Де Кунинг начал заниматься скульптурой сравнительно поздно, с 1969. Данное изваяние — одно из самых больших его творений, первоначально оно сделано в глине. Примечательно, что сам автор считал, что у него слишком маленькие руки для работы с этим материалом. Чтобы преодолеть недостаток, он надевал две пары рабочих перчаток. Такое искусственное увеличение рук позволило ему творить в более широкой и крупной манере, как он и желал. Интерес мастера к выразительности материала находится в русле идей и традиций, идущих от Огюста Родена и подхваченных Альберто Джакометти. При этом все произведения несут на себе печать собственного стиля и личности де Кунинга.



77-Люсьен Фрейд (1922–2011) Стоящая на фоне тряпок 1988–1989.jpg

Люсьен Фрейд (1922–2011). Стоящая на фоне тряпок. 1988–1989



Люсьен Фрейд — известный британский художник немецко-еврейского происхождения, его отец, архитектор Эрнас Людвиг Фрейд, — младший сын основателя психоанализа Зигмунда Фрейда. Люсьен Фрейд специализировался на портретной живописи и обнаженной натуре, был мастером психологического портрета.

Обнаженная женская натура стала важной темой творчества художника с начала 1906. Он детально выписывает тело модели, этот подход к натуре побудил критиков отнести его работы к традиции реалистического изображения обнаженной натуры и даже конкретно к стилю французского живописца XIX века Гюстава Курбе. Сам автор утверждал, что его стремлением было «скорее пристальное внимание, нежели идеализация».

Данная картина написана мастером в его студии в Лондоне. Обращает на себя внимание фон, на котором изображена женская фигура. Его образует белая материя — то ли один большой и причудливо смятый кусок, наподобие простыни, то ли множество отдельных, в любом случае это производит впечатление некой искусственно сделанной декорации. Подобный декор, появляющийся и в других картинах художника, превращается в один из элементов его стиля, что, как было не раз в современном искусстве, заставляет задуматься над индивидуальным почерком, который в значительной степени определяется некой выдумкой, если не сказать чисто техническим приемом.



К О Н Е Ц




Tags: Великобритания, живопись, музей, скульптура, художники
Subscribe

Recent Posts from This Community

  • Михал Суффчиньски - польский архитектор и художник

    Михал Суффчиньски (Michał Suffczyński) - современный польский художник. Михал по образованию архитектор, а по призванию - художник.…

  • Покажи мне звезду!

    Настоятеля вызвали на Большую землю, и послушник Артемий на две зимних недели остался в скиту совсем один. Вечерами казалось, что и на всём острове.…

  • Мартин Джонсон Хед.

    Мартин Джонсон Хед (Хэд) (Martin Johnson Heade), 1819-1904гг. Америка. Родился 11 августа 1819 года в местечке Ламбервилл,…

promo lovers_of_art october 25, 2019 14:21 5
Buy for 10 tokens
Сообщество lovers_of_art, предназначено для тех, кто любит искусство во всех его проявлениях. Членом сообщества может стать любой желающий. Любой член сообщества может стать одним из его авторов. Правила сообщества очень простые: При общении быть взаимно вежливыми и избегать обсценной лексики.…
  • Post a new comment

    Error

    default userpic

    Your reply will be screened

    Your IP address will be recorded 

    When you submit the form an invisible reCAPTCHA check will be performed.
    You must follow the Privacy Policy and Google Terms of use.
  • 2 comments