Рафаэль Погосян (rafik_jan) wrote in lovers_of_art,
Рафаэль Погосян
rafik_jan
lovers_of_art

Categories:

Галерея Бельведер. Вена (часть третья)

45-Густав Климт - Фермерский сад с цветами (Сад пивоваренного завода города Литцлъберг на Аттерзее) - Около 1906.jpg

Густав Климт. Фермерский сад с цветами (Сад пивоваренного завода города Литцлъберг на Аттерзее). Около 1906



Искусство первой половины XX века



46-Фердинанд Ходлер (1853–1918) - Волнение - 1900.jpg

Фердинанд Ходлер (1853–1918). Волнение. 1900



Швейцарский художник Фердинанд Ходлер — виднейший представитель символизма. Еще при жизни он приобрел славу одного из самых успешных выразителей эстетики эпохи модерн. Стиль Ходлера узнаваем: он создавал работы монументальной простоты, декоративной многозначности, в которых одну из главных ролей играет символическая природа цвета и композиции.

Обращают на себя внимание пространственные характеристики и колорит картины. Ходлер любил изображать изолированные фигуры людей как будто вне времени и пространства. Его герои не портреты, а типы, они ценны не сами по себе, а как характеристики определенных состояний или занятий. Условность пространства и особый колорит объясняются глубоким интересом художника к средневековой религиозной живописи. Запечатленный момент очень прост и не поддается интерпретации, обладая при этом удивительной притягательностью и трудноуловимой многозначностью. Важную роль в этом ощущении значительности играет монументальность изображенной фигуры.



48-Франц фон Матч (1861–1942) - Хильда и Франци Матч - 1901.jpg

Франц фон Матч (1861–1942) Хильда и Франци Матч 1901



Австрийский художник и скульптор Франц фон Матч — яркий представитель венского югендстиля. Югендстиль — одно из названий искусства модерна вообще, художественного направления рубежа XIX–XX веков, которое характеризуется широчайшим диапазоном признаков. Общими чертами являются пересмотр сухих академических правил живописи, интерес к самовыражению или определенной художественной концепции (историзм, ориентализм), эксперименты с композицией, самоценность символических или орнаментальных трактовок темы. Франц фон Матч попробовал себя во многих жанрах и техниках. Он был автором надгробий и фонтанов, придумывал костюмы для актрис, вместе с Густавом Климтом разрабатывал и выполнял монументальные фрески для Венского университета. Одна из достопримечательностей Вены — созданные им знаменитые часы «Анкер-Ур».

Данная картина является групповым портретом, художник изобразил своих маленьких дочерей. Особенно сильно заметно влияние символизма, приверженцы которого уделяли большое внимание цвету. Белый цвет платья и волос одной из дочерей автор делает серебряным, он светится каким-то потусторонним блеском. Свет в картине условный, фигуры и предметы освещены не естественно, с тенями, а равномерно. Кажется, что любящий отец стремится не просто запечатлеть детей, а создать для них целый мир, далекий от треволнений современности. Обращает на себя внимание использование излюбленного приема художников-новаторов рубежа XIX–XX веков: фигура слева обрезана по краю, так же как и фигурка игрушечной лошадки, что означает отказ от условных правил изображения, намерение выхватить момент из потока жизни. Однако при этом девочки смотрят прямо на зрителя, очевидно, что они позируют намеренно. Подобное соединение намеренного и случайного характерно для живописи того периода.



49-Клод Моне (1840–1926) - Дорога в саду Моне в Живерни - 1902.jpg

Клод Моне (1840–1926). Дорога в саду Моне в Живерни. 1902



Основной целью импрессионистов было рисовать природу «как она есть», а не «как она должна быть» согласно академическим канонам. Именно поэтому в их творчестве большую роль играют моментальные впечатления, взаимодействие света и цветовых волн, зыбкие состояния воздуха.

На представленной картине изображен знаменитый сад Клода Моне. С ним связан период 43-летней творческой жизни мастера — почти все пейзажи были написаны именно здесь. Густая зеленая аллея, пышные заросли кустарников и цветов заполняют холст мириадами красочных пятен, все сливается в теплое движение воздуха, он как будто оживает в сказочном сне.



50-Тина Блау (1845–1916) - Крио в Пратере - 1902.jpg

Тина Блау (1845–1916). Крио в Пратере. 1902



Тина Блау — одна из самых талантливых и знаменитых австрийских художниц XIX — начала XX века. Наряду с такими мастерами, как Карл Молль, Якоб Шиндлер и Мари Эгнер, она считается представительницей импрессионизма. Блау прославили пейзажные работы, а также натюрморты и портреты венских коллег-живописцев, которые она создавала в конце своего творческого пути.

Пейзажи художницы отличаются сдержанным колоритом, они очень цельные, почти неоклассические по композиции. Блау соединяет интерес к импрессионистической трактовке окружающей воздушной среды и светотеневым моделировкам с четкой, почти геометрически строгой структурой построения ландшафтного вида. Необходимо отметить главную черту авторской манеры — характер письма художницы очень плоскостей по фактуре, он отличается от классического французского импрессионизма, мастера которого предпочитали накладывать краску очень густо, пастозно. Всю свою жизнь Блау посвятила пейзажной живописи, она разработала специальный курс обучения для студентов и долгие годы успешно занималась преподавательской деятельностью. Десять лет художница провела в творческих путешествиях по Италии, посетила многие европейские города, после создав большое количество полотен.

Целая серия картин, которая принесла Блау успех у публики, посвящена самому знаменитому городскому парку Вены — Пратеру. Художница долгое время жила около него. На этом холсте изображен вид на первый австрийский ипподром Крио. Работа, как и все произведения Блау, отличается сдержанным колоритом, великолепной техникой живописи, тонким лирическим настроением, которое создается импрессионистически точными мазками.



51-Рихард Герстль (1883–1908) - Сестры Фей - 1905.jpg

Рихард Герстль (1883–1908). Сестры Фей. 1905



У посетителей галереи Бельведер есть уникальная возможность познакомиться с работами австрийского художника Рихарда Герстля, творчество которого развивалось под знаком экспрессионизма. Заслуживает внимания его трагическая судьба. Однажды он познакомился с семьей великого композитора Арнольда Шенберга, и это событие изменило жизнь живописца. Он был покорен Матильдой Шенберг, женой маэстро, даже провел с ней лето 1908. Но роман продлился недолго, женщина вскоре вернулась к мужу. Ошеломленный разрывом, Герстль заперся в своей студии, сжег часть любовной переписки, возможно, также некоторые полотна и покончил собой. Ему было всего 25 лет. Родственники собрали оставшиеся 66 картин и сложили их на складе магазина старшего брата художника. Только спустя двадцать лет, в начале 1930-х, он показал полотна арт-дилеру. Тот был потрясен их экспрессивной силой и талантом неизвестного автора.

Однако судьба была неблагосклонна к Герстлю и после смерти. Через некоторое время после открытия первой выставки его произведений Австрия была насильно присоединена к гитлеровской Германии. Работы живописца оказались под запретом с ярлыком «дегенеративное искусство». Только после свержения фашистского режима картины этого незаслуженно забытого мастера стали возвращаться к публике.

Герстль был прекрасным портретистом, о чем свидетельствует данное полотно. Он создал образы сестер, которые покоряют зрителя своей незащищенностью, ранимостью, особым наивным взглядом на мир. Женщины смотрят доверчиво, с улыбкой. Художник рисует очень свободно, выбирает условный коричневый плоскостный фон. Условность усиливается намеренно детской манерой рисунка и как будто случайными мазками-бликами.



52-Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) - Девушка со светлыми волосами - 1904–1906.jpg

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Девушка со светлыми волосами 1904–1906



«Обнаженные» представляют собой целый цикл картин Ренуара. Эта работа позднего периода творчества, в ней во всем блеске проявились основные качества живописи художника: скульптурность и крепость построения фигур, любовь к сложным сочетаниям цветов, отливающих тусклым, загадочным блеском. Портрет полон чувственности, все внимание мастера направлено на молодость, статность девушки, живописец буквально упивается телесностью модели. В свои последние десятилетия Ренуар страдал от артрита, недуг сильно затруднял работу, к концу жизни художник был обездвижен.



53-Карл Молль (1861–1945) - Березовый лес.jpg

Карл Молль (1861–1945). Березовый лес



Карл Молль писал картины, полные символистского, мистического звучания. Отличительная черта творчества мастера в том, что он создавал таинственный мир своих полотен не с помощью знаков, аллегорий или литературных сюжетов, а особым образом отображая фрагменты природы.

Этот пейзаж написан условно (что характерно для художника). Зеленая трава с золотым отсветом, серебристо-золотое небо привлекают внимание своей необычностью. Искусство Молля было напрямую связано с творческой практикой великого Густава Климта, который еще больше углубил условную многозначность цветового решения картин. Кроме того, манера наносить краску и особое видение природы говорят о сильном влиянии на автора творчества Винсента Ван Гога (Молль любил и активно продвигал его искусство в Австрии). Обращает на себя внимание то, как живописец работает с фактурой: черной и белой краской он лепит стволы берез, делает их шероховатыми, что создает очень эффектный контраст с условностью всего пейзажа. Полотно, характерное для искусства символизма в целом, является портретом состояния природы и самого автора. Такие портретные пейзажи являлись продолжением тенденции, которая появилась еще у романтиков в первые десятилетия XIX века. К новому XX веку традиция обогатилась новыми колористическими и композиционными решениями. Художники перестали слепо следовать за природой, а компоновали природные явления в метафорически-символистском ключе.



54-Эдвард Мунк (1863–1944) - Парк в Кёзене - 1906.jpg

Эдвард Мунк (1863–1944). Парк в Кёзене. 1906



Норвежец Эдвард Мунк — художник XX века, прославившийся в живописи, графике, он работал для театра, создавал теоретические работы по искусству. Стиль Мунка сформировался непосредственно под влиянием парижской школы живописи, в частности таких ее мастеров, как Поль Гоген, Анри Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог. Мунк развивал широкую, свободную манеру нанесения локальных красок, которые часто, как в этой работе, смешиваются непосредственно на холсте, а не на палитре. Мастер предпочитал темы, связанные с философией символизма. Он разрабатывал художественные метафоры одиночества, угасания, смерти.

В начале 1900-х художник постоянно страдал от нервного перенапряжения, поэтому друзья пригласили его отдохнуть в тихом немецком городке Бад-Кёзен. Там он гостил у доктора Макса Линде, ценителя и знатока искусств. На картине изображен его парк, где была установлена копия знаменитой статуи «Мыслитель», выполненная самим Роденом. Мунк изобразил ее здесь справа вверху, а позже отдельно. Пейзаж отличается очень живой, свежей палитрой, автор, словно играя, свободно накладывает краски.

Отдых, к сожалению, не помог великому автору шедевра «Крик» (1893–1910, музей Мунка, Осло): вскоре Мунк был помещен в больницу для продолжительного лечения.



55-Бронция Коллер-Пинель (1863–1934) - Уборка хлеба - 1908.jpg

Бронция Коллер-Пинель (1863–1934). Уборка хлеба. 1908



Бронция Коллер-Пинель — талантливая австрийская художница первых десятилетий XX века, испытавшая воздействие всех основных веяний модерна. Ее манера эволюционировала от импрессионизма в начале творческого пути, югендстиля до экспрессионизма и «Новой вещественности» в последние годы жизни. Наиболее значимо на Коллер-Пинель повлияли мастера французского постимпрессионизма, такие как Винсент Ван Гог и Поль Гоген. Очевиден след неопримитивизма: ее работы отличаются непосредственностью взгляда на окружающий мир.

В 1902 художница попала в круг Густава Климта и мастеров Венского сецессиона. Ее дом оформляли такие звезды Сецессиона, как Йозеф Хофманн и Коломан Мозер. В нем Коллер-Пинель устраивала светские вечера, на которых присутствовали философы, музыканты, живописцы, среди них был знаменитый Эгон Шиле.

На этой картине художница воплотила одну из любимых тем постимпрессионистов, сюжет уборки урожая прославил еще Ван Гог. Он традиционно означает желание творца с помощью живописи символически прикоснуться к простой человеческой жизни. Мастера того времени искали в недрах крестьянского быта источник очищения от городской суетности. Зрителю не видны лица персонажей, только их сгорбленные фигуры. Безымянные герои сосредоточены на своей работе, они слишком незначительны на фоне уходящей за горизонт земли. Снопы выполнены почти наивно и своей монотонностью образуют своеобразный орнамент.

Коллер-Пинель — одна из немногих женщин того времени, которая смогла добиться успеха и признания на живописном поприще. Может быть, именно поэтому, несмотря на великолепное качество работ и высокий профессионализм, ее творчество часто вызывало нападки критиков. В наше время имя Коллер-Пинель прочно вошло в историю европейского искусства.



56-Ловис Коринт (1858–1925) - Дама у аквариума с золотыми рыбками - 1911.jpg

Ловис Коринт (1858–1925). Дама у аквариума с золотыми рыбками. 1911



Ловис Коринт — один из ярких представителей немецкого импрессионизма. Художник попробовал себя в разных темах: был мастером портрета, плодотворно работал над сюжетами античной мифологии. С 1891 Коринт присоединился к Берлинскому сецессиону. Наряду с другим знаменитым немецким импрессионистом Максом Либерманом живописец считался самым популярным и востребованным художником этого блистательного берлинского объединения.

1909 он провел на мекленбургском курорте. Картины этого периода отличаются особым спокойствием, теплотой домашней атмосферы. На представленном полотне изображена супруга автора. Работа выполнена в лучших традициях импрессионизма. Мастерски создано пространство: на холсте практически нет пустого, незаполненного места. Зритель оказывается в уютной, любовно обставленной квартире, где все утопает в зелени. Привлекает внимание поза женщины: кажется, что она только присела на диван. Складывается впечатление, что в этом движении, в ее сосредоточенном и спокойном взгляде в книгу отражена суть семейного уюта, которым действительно был окружен художник благодаря заботе своей жены. Известно еще несколько превосходных семейных портретов мастера.



57-Коломан Мозер (1868–1918) - Женский портрет в профиль - Около 1912.jpg

Коломан Мозер (1868–1918). Женский портрет в профиль. Около 1912



Коломан Мозер — один из самых заметных художников Венского сецессиона, основатель объединения «Венские мастерские». Его творческие принципы, особенно в графике и дизайне, имели принципиальное значение для развития этих областей в XX веке. За свою напряженную творческую жизнь он создал книги, графические работы — от открыток до журнальных виньеток, работал с модной одеждой, создавал витражи, столовую утварь, ювелирные украшения и мебель. Художник любил рисовать простые мужские и женские фигуры, которые своей монументальностью и безыскусностью напоминают произведения другого знаменитого деятеля модерна — Фердинанда Ходлера. Мозер предпочитал голубые и розовые оттенки — типичные для символистов цвета, обозначавшие мистический мир рождения, одиночества и смерти.

Женщина, изображенная в профиль, словно выбелена светом, но его происхождение неясно. Кажется, что это не солнечный, а лунный свет или даже отсветы каких-то невидимых зрителю костров. Так чисто живописными средствами мастер создал загадочную, неоднозначную атмосферу своего лаконичного произведения. Изображение персонажа в профиль, когда взгляд модели уводит зрителя куда-то за край картины, также типично для художников последнего десятилетия XIX — начала XX века, символистов, прерафаэлитов.



58-Оскар Кокошка (1886–1980) - Портрет художника Карла Молля - 1913.jpg

Оскар Кокошка (1886–1980.) Портрет художника Карла Молля. 1913



Оскар Кокошка — один из самых знаменитых и самобытных художников Австрии, известный благодаря своей запоминающейся экспрессионистической манере живописи.

Наибольшую славу мастеру принесли портреты. Здесь представлен портрет художника Карла Молля. Впечатляет фигура изображенного и его большие руки. Крупные руки — один из традиционных приемов, который означает, что перед зрителем человек труда. Художник, по мнению Кокошки, прежде всего — труженик, а не праздный представитель богемы. Портрет написан в традиционной для автора манере: он густо кладет краску, активно преломляет пространство, кажется, что оно изгибается вместе с фигурой Молля.



59-Оскар Ласке (1874–1951) - Корабль дураков - 1923.jpg

Оскар Ласке (1874–1951). Корабль дураков. 1923



Австриец Оскар Ласке известен своими живописными и архитектурными работами. Большая часть наследия художника состоит из зарисовок его путешествий по Европе и Северной Африке. Ласке творил в жанре пейзажа и городской живописи, его полотна отличаются ярким, пронзительным колоритом. Мастер участвовал в боях Первой мировой войны, и этот опыт сильно повлиял на его мировоззрение, найдя отражение в большом числе картин на военные темы и сюжеты нравственного характера.

«Корабль дураков» — работа, обличающая пороки, горькая критика человеческих грехов. Это аллегорическая картина со сложным, многомерным и разветвленным сюжетом. Тема ее не нова в искусстве: известно одноименное произведение (1495–1500, Лувр, Париж) великого нидерландца Иеронима Босха. Полотно можно рассматривать очень долго и находить все новые и новые метафоры и поучительные сюжеты. Например, сцена Распятия призвана показать, что Христос зря отдал свою жизнь за грехи человечества. Справа, почти в середине, изображена большая очередь на биржу труда, свидетельствующая об экономическом кризисе, в котором находились немецкоговорящие страны в конце 1910 — начале 1920-х. Оскар Ласке, вслед за своими средневековыми предшественниками, обличает грехи сладострастия, прелюбодеяния, лжесвидетельства, алчности. Художник вводит изображения представителей богемы, праздной публики, а рядом — сцены прелюбодеяния, средневековые образы смерти в виде скелета с косой, дьявола во фраке, чревоугодников в виде пузатых чудовищ и многое другое.

Подобные полотна, наследующие и актуализирующие морализаторские тенденции средневековой культуры, были очень востребованы после Первой мировой войны. Художники пытались осмыслить цель и жертвы самой крупной и беспощадной бойни того времени.



Густав Климт



60-Густав Климт - Водяные змеи I - 1904–1907.jpg

Густав Климт. Водяные змеи I. 1904–1907



61-Густав Климт (1862–1918) - Портрет Сони Книпс - 1898.jpg

Густав Климт (1862–1918). Портрет Сони Книпс. 1898



Густав Климт — один из самых популярных художников современности. Его работы отличаются высочайшим мастерством и виртуозностью исполнения.

«Портрет Сони Книпс» — образец раннего творчества живописца. Несколько слов необходимо сказать о модели. Соня Книпс, урожденная баронесса Пуатье, была женщиной с тонкой душевной организацией, состояла в браке с обеспеченным мужчиной. Делом ее жизни стала поддержка прославленных «Венских мастерских». Согласившись позировать Климту, она совершила смелый поступок — поддержала скандального художника: дело в том, что ранее Климт создал фрески для оформления Венского университета, которые заказчик признал порнографическими. В этой картине автор рифмует нежный отлив белых цветов и платья героини. Перед зрителем классический портрет, отвечающий идеалам модерна. Художник любуется чертами лица Сони, ее сосредоточенным, «месмерическим» взглядом. Обращает на себя внимание поза девушки: она как будто только присела и на секунду замерла. Особую утонченность портрету придает «налет старины»: платье похоже на средневековые наряды английских королев, цветы как будто вышли с голландских натюрмортов, а черный фон пользовался большой популярностью в европейских портретах знатных особ XV–XVIII веков. На нем еще ярче проступают бледные с отсветом черты лица и одежда Сони. Вокруг женщины возникает особая таинственная аура, как будто художник запечатлел ее душевное состояние, полное спокойного достоинства. Портрет, безусловно, должен был польстить заказчице.



62-Густав Климт(1862–1918) - Юдифь I - 1901.jpg

Густав Климт(1862–1918). Юдифь I. 1901



63-Густав Климт(1862–1918) - Юдифь I - 1901 (фрагмент).jpg

Густав Климт(1862–1918). Юдифь I. 1901 (фрагмент)



«Юдифь I» — одна из самых известных картин Густава Климта. Работа выполнена в так называемый золотой период, ставший вершиной его творчества. Тип роковой женщины больше всего привлекал мастера. Моделью полотна стала Адель Блох-Бауэр — жена мецената, богатого индустриального промышленника, который спонсировал мастера. Адель позировала для нескольких известных работ Климта («Портрет Адель Блох-Бауэр I», «Юдифь II»), все они отличаются чувственностью. Эротизированный образ Юдифи был востребован еще со времен Возрождения. Здесь художник изображает Юдифь с головой Олоферна. Героиня является символом орудия победы в руках Господа. Полотно очень богато по фактуре: автор интенсивно использует позолоту, играет на сопоставлении густого черного цвета волос и полупрозрачной ткани накидки.



64-Густав Климт - Поцелуй - 1907–1908.jpg

Густав Климт. Поцелуй. 1907–1908



Картина «Поцелуй» — одна из изюминок коллекции галереи Бельведер, шедевр, до сих пор не потерявший своей пленительной силы. Работа отмечена утонченной декоративностью, изысканной эротичностью и многомерной метафоричностью. Это произведение представляет самый известный этап в творчестве мастера, совершенно закономерно названный «золотым периодом». Позолота появилась в работах Климта после путешествия по Италии, в частности Венеции и Равенне, где он был покорен золотом византийских мозаик и убедился, что лаконизм, плоскостность и условность пространства обладают уникальной силой воздействия. Плоскостные и орнаментальные свойства монументальной живописи модерна позволили художнику гармонично интегрировать спиритуализм древнего религиозного искусства. Мастер создал незабываемый авторский стиль, сплавив воедино органицизм и пронзительную декоративность модерна, символизм цвета и настроение эпохи декаданса.

Производит впечатление совмещение условного золотого фона и покровов героев с реалистической и очень чувственной трактовкой лиц. Золотой фон с мерцающими точками, откровенно орнаментальный рисунок цветов, поляна, похожая на дорожку из самоцветов, и буквально притягивающая взгляд томная чувственность, открытость взгляда женщины сделали картину «Поцелуй» одним из самых узнаваемых в мировой истории искусств произведений. Это аллегорическое по сюжету полотно также является символистским благодаря смысловой нагруженности цвета. Работы «золотого периода» мастера повлияли на принципы искусства и общественный вкус культурной публики первых десятилетий XX века.



65-Густав Климт (1862–1918) - Портрет Иоганны Штауде - 1917–1918.jpg

Густав Климт (1862–1918). Портрет Иоганны Штауде



Густав Климт знаменит серией женских портретов. Ему заказывали свои изображения самые известные, богатые и влиятельные европейцы начала XX века. На представленном полотне запечатлена Иоганна Штауде (1883-1967), данная работа — одна из последних работ мастера. Обращает на себя внимание благородная простота композиции, героиня смотрит прямо перед собой. Иоганна не раз позировала Климту (кстати, она также была моделью Эгона Шиле). Светлое лицо-маску обрамляют иссиня-черные волосы и меховое боа. Климт использует эстетскую и пронзительную по своему сочетанию гамму ярко-голубого, насыщенного красного и черного цветов. В ряде поздних работ этот портрет выделяется своей простотой, которая подчеркивает красоту женщины. Модель одета в наряд от знаменитых «Венских мастерских».



66-Густав Климт (1862–1918) - Портрет женщины в белом - Около 1917–1918.jpg

Густав Климт (1862–1918) Портрет женщины в белом. Около 1917–1918



Галерея Бельведер обладает самой крупной коллекцией работ Густава Климта. Австрийский живописец был соучредителем знаменитого Венского сецессиона и организатором выставок 1908–1909, которые познакомили художественные круги Австрии с достижениями мирового авангарда. Еще при жизни Климт добился оглушительного успеха у публики и заказчиков, иметь картину его кисти желали самые богатые и влиятельные семьи Европы. В возрасте 56 лет мастер неожиданно умер от пневмонии, оставив большое количество незаконченных произведений, «Портрет женщины в белом» — одно из них.

Стоит обратить внимание на квадратный формат полотна — Климт часто использовал его. Квадрат означает математическую гармонию, равенство горизонтали (мирского) и вертикали (божественного). Эстетская чистота равных линий фигуры, ее уравновешенность как нельзя лучше соответствовали лаконичным, изысканным интерьерам заказчиков Климта, ценителей стиля модерн. Гармония видна и в почти что орнаментальной композиции холста. Автор делит картину пополам по диагонали на черное и белое. Лицо неизвестной дамы он вписывает ровно посередине. Таким образом у зрителя появляется возможность проследить процесс создания художественного произведения. Мастер шел от симметрии и чистых геометрических линий к изящному декоративизму в финальной отделке. У женщины, как и у многих других героинь, очень светлое лицо-маска. Это и художественное преувеличение, и следование моде того времени. Хотя полотно не закончено, оно обладает притягательностью, свойственной работам Климта.



Эгон Шиле


67-Эгон Шиле - Мать с двумя детьми - 1915–1917.jpg

Эгон Шиле. Мать с двумя детьми. 1915–1917



68-Эгон Шиле (1890–1918) - Маленький Рейнер (Герберт Рейнер в возрасте около шести лет) - 1910.jpg

Эгон Шиле (1890–1918). Маленький Рейнер (Герберт Рейнер в возрасте около шести лет). 1910



Наряду с Оскаром Кокошкой и Густавом Климтом Эгон Шиле является одним из лидеров венского модерна. Прижизненные выставки молодого живописца проходили в крупнейших художественных центрах Европы, в таких городах, как Вена, Прага, Цюрих, Берлин и Париж. Шиле выработал узнаваемую авторскую манеру, в которой сочетались орнаментальная плоскостность модерна, нервные, экспрессивные линии контура, почти натуралистическая детализация мускулатуры тела. Все персонажи его работ похожи на скелеты и более или менее вторят физиологическим характеристикам самого мастера. В этом специалисты также видят его настойчивый интерес к внутренним, духовным силам человека, символику, восходящую еще к спиритуальному искусству Северного Возрождения. Шиле волнуют человеческие чувства, эмоциональность, они отображены в буквально отталкивающих телесных характеристиках.

Маленького Рейнера художник писал не единожды, один рисунок хранится в музее Метрополитен. Портрет из Бельведера очень остроумный и богатый по отделке. Мальчик представлен в стилизованной восточной одежде и позе. На нем дорогой, хорошей выделки шелковый халат. Доминантой полотна служит насыщенный багряный цвет. Зрителя впечатляет контраст спокойного, расслабленного, буквально медитативного, но монолитного, собранного положения героя и озорного веселья на его лице. Шиле подчеркивает крупные кисти рук ребенка. Удлиненные нервные пальцы — знак душевной тонкости человека и его принадлежности к богеме.



69-Эгон Шиле (1890–1918) - Подсолнухи - 1911.jpg

Эгон Шиле (1890–1918). Подсолнухи. 1911


Австрийский художник Эгон Шиле стал одним из самых значимых выразителей эпохи модерн. Выбор темы для работы «Подсолнухи» неслучаен: она написана по следам знаменитых «Подсолнухов» Винсента Ван Гога. Картина мастера была чрезвычайно популярна среди австрийских художников, потому что ее несколько раз выставляли в крупных галереях Вены. Шиле так же, как и Ван Гог, переосмысляет метафору бренности всего сущего, внося в свое произведение мотив становления и угасания. Цветы традиционно служили символом жизни и красоты, обреченных на смерть. Под влиянием Ван Гога подсолнухи писал и другой мастер, Густав Климт, близкий Шиле. Полотно обладает характером почти абстрактной композиции. Яркие пятна цветков вплетены в темные листья. Этот полунатюрморт-полупейзаж олицетворяет круг человеческой жизни.



70-Эгон Шиле (1890–1918) - Объятия - 1917.jpg

Эгон Шиле (1890–1918) Объятия 1917



Работы Эгона Шиле в жанре пейзажа, портрета, ню проникнуты драматическим контрастом сопоставления жизни и смерти, любви и чувства одиночества, статики и динамики. Магистральной линией, основной темой, которая давала импульс творческому вдохновению художника, была тема эротики, секса, телесной любви. Искусствоведы видят в работах мастера творческое преломление идей Зигмунда Фрейда о решающем значении либидо в жизни человека. Наследие Шиле насчитывает сотни графических и живописных работ, изображающих откровенные сцены любви, эротические образы женщин, эскизы сексуальных актов.

Второе название представленной картины — «Любовная пара II, мужчина и женщина». Данная тема роднит Шиле с другим знаменитым представителем австрийского модерна Густавом Климтом, но творчество первого более физиологично, оно экспрессивно в своем натурализме. Художник изображает буквально обтянутые кожей тела, где виден каждый напряженный мускул. Обращает на себя внимание их цветовая характеристика: светлый тон кожного покрова героини и темный — мужчины. Мужчины традиционно изображались с более темным цветом тела еще со времен древнейшего искусства Египта. Значима и общая гамма картины. Шиле работает в палитре постимпрессионистов и авангардистов, такое сочетание оливкового, охристого, бежевого, темно-коричневого и белого, подведенного черным, встречается, например, у Пикассо в период 1907–1914.



71-Эгон Шиле (1890–1918) - Четыре дерева - 1917.jpg

Эгон Шиле (1890–1918) Четыре дерева 1917



Эгон Шиле знаменит своим узнаваемым авторским стилем, который сформировался на стыке модерна и экспрессионизма. От модерна художник взял изящество линии, тонкость орнаментальной детализации, эстетские сочетания изящных цветовых оттенков. Стиль экспрессионизма выразился в манере изображать человеческие тела, которые буквально наэлектризованы эротизмом. В творческом наследии Шиле почетное место занимают пейзажи, хотя они и не так известны широкой публике, как его эротические рисунки.

Работу «Четыре дерева» автор строит на прорисовывании слоев: каждая горизонталь отделяется от предыдущей толстым цветным контуром. Такой прием производит двойной эффект: делает пейзаж орнаментальным, а благодаря окрашенности слоев пронзительными розовыми и голубыми цветами приобретает экзистенциальный характер. Колорит картины рождает тревожное, даже грозное впечатление, ведь розовый и голубой цвета являлись для художников модерна символами жизни и смерти. Как говорил сам Шиле, движения облаков, рисунок деревьев, воды, гор напоминают ему движения человеческих тел. Мастер считал исходящие от природы импульсы родственными эмоциям, ощущениям и состояниям человека. Четыре дерева действительно выглядят как четыре человека с разными характерами, манерой поведения и внешностью.



72-Эгон Шиле (1890–1918) - Семья - 1918.jpg

Эгон Шиле (1890–1918). Семья. 1918



Великий австрийский художник Эгон Шиле прожил короткую, но очень яркую, наполненную творческими открытиями жизнь, познал славу в молодом возрасте. Бельведер хранит одну из самых интересных и представительных коллекций его произведений. Наряду с Густавом Климтом живописец считается самым блестящим выразителем эстетики и культуры европейского модерна.

Чтобы понять данное произведение мастера, нужно знать его биографию. В 1918, когда Шиле было всего 28 лет, в Европе началась сильнейшая эпидемия гриппа, знаменитая «испанка», унесшая жизни более 20 миллионов человек. Картину «Семья» художник начал, когда еще ничего не подозревал о скором конце: он погиб через три дня после смерти беременной жены. Заболев, живописец начал переделывать полотно. Интересно, что изображенная женщина — не его жена, а неизвестная модель, автопортретными характеристиками обладает фигура мужчины. Работа осталась незаконченной. Взгляды героев поражают пронзительностью. Они, смирившись с судьбой, смотрят куда-то вдаль. Впечатляет жест мужчины — он прикасается к сердцу, словно приносит обет верности своей семье. На холсте властвуют коричневые земельные цвета, как будто герои уже находятся в лоне земли. В этом произведении меняется стиль Шиле, он становится более реалистичным, настроение картины очень мягкое, покорное, даже просветленное. От экспрессионизма осталась лишь драматическая символика цвета.





29-Галерея Бельведер - Вена.jpg

Автор М.Силина




Tags: Австрия, живопись, музей, художники
Subscribe

Recent Posts from This Community

Buy for 20 tokens
Однажды у Аутлукова сломалась машина и он вызвал такси. Садясь в подъехавшую машину, он с ужасом увидел за рулём тойоты своего одноклассника. "Ёп, это же Несравненнов!" - подумал он и натянул повыше противоковидную маску. "Не узнал бы..., во позору то будет! Скажет, мол, до седых мудей дядя…
  • Post a new comment

    Error

    default userpic

    Your reply will be screened

    Your IP address will be recorded 

    When you submit the form an invisible reCAPTCHA check will be performed.
    You must follow the Privacy Policy and Google Terms of use.
  • 2 comments