petrus_paulus wrote in lovers_of_art

Category:

Умение уходить красиво

«Встречают по одёжке, провожают по уму». Золотое правило, работающее много столетий. Работает в межличностных, деловых, общественных отношениях. Причём не просто работает, а дирижирует ими. Совершенно не обязательно воспринимать его буквально, ведь правило имеет и обратную силу, когда роль «одёжки» может исполнить уже сложившаяся репутация, а «ума» - разочарование в ней после контакта. Его можно применять в любой области человеческой деятельности и культуры. Даже в опере.

В качестве «одёжки» в опере традиционно выступает увертюра, а в качестве «ума» - финальный хор или ансамбль. Композитору необходимо задать тон всему произведению через увертюру, чтобы у слушателя/зрителя сложилось общее настроение применительно к тому, что он сейчас услышит и увидит. До конца XVIII века увертюры именовались симфониями и крайне редко имели нечто общее с самой оперой – они играли ту роль, которую в XX веке в кинотеатрах играл киножурнал, демонстрировавшийся перед началом сеанса, а сейчас играет огромный рекламный блок. Во время исполнения увертюры зал заполнялся зрителями, а она выполняла функцию звукового фона, чтобы публика уже настраивалась на приятное времяпрепровождение. Иными словами, музыкально такая увертюра-симфония со следовавшей за нею оперой не имела ничего общего. Первыми композиторами, которые стали проводить музыкальные параллели между увертюрой и собственно самой оперой, были Гендель и Рамо. А уже Глюк предложил симфонически решать увертюру как «вступительный обзор содержания» оперы. Это предложение пришлось ко двору, и большинство композиторов конца XVIII и всего XIX века пользовались им, включая в увертюру основные музыкальные темы всего произведения.

Кристоф Виллибальд фон Глюк
Кристоф Виллибальд фон Глюк

Однако, «одёжку» эту некоторые из них использовали иногда как секонд хэнд, переставляя увертюру от одной оперы к другой. Это достаточно часто встречается у Вивальди, а Россини, например, подарил вторую жизнь и всемирную славу увертюре к своей опере «Елизавета, королева английская», использовав её в ставшем суперзнаменитым «Севильском цирюльнике». Но, если увертюра либо задавала тон всей опере, либо отражала её музыкальное наполнение, то какова была функция финального хора/ансамбля? Так ли важно было «провожать по уму» только что услышанное?

Оказывается, не всегда. Заключительный хор, исполняющийся либо всеми действующими лицами спектакля, собирающимися на сцене, либо собственно хором, который в спектакле исполняет специально для него написанные номера, традиционно имеет смысл красивого завершения всего действа. Это своего рода выход всех артистов на поклон, только они при этом ещё и поют. Однако в некоторых случаях композитор вкладывал в финальный ансамбль или хор гораздо больший смысл, дабы придать спектаклю драматургическое завершение. В эпоху барокко о драматургии спектакля мало кто думал – тон диктовали музыка и вокал. С середины XVIII века драматургия оперы полостью меняется, требуя от создателей, и в первую очередь от композитора, смысловой и музыкальной завершённости, превращая хор в тот самый «ум», по которому произведение должно быть провожено зрителем.

Сегодня предлагаю взглянуть на десять самых ярких примеров того, как музыкально и драматически финал оперы развивался на протяжении трехсот лет. И начну сразу с 1600 года. Впервые опера была представлена во Флоренции в 1597 году – это была «Дафна» Якопо Пери. Однако музыка этого произведения до нас не дожила. Дожила следующая опера Пери – «Эвридика», которую поставили во Флоренции на праздновании бракосочетания французского короля Генриха IV и Марии Медичи в октябре 1600 года и которую теперь принято считать первой. Постановка была парадно-торжественной, и для её идеальной подготовки Пери пригласил в помощники своего коллегу, римского певца и композитора Джулио Каччини. Тот к этому времени написал свою версию «Эвридики» на то же самое либретто, поэтому певцы, исполнявшие оперу и привезённые им из Рима, использовали половину арий самого Каччини. Так первая постановка стала и первой коллаборацией – звучала музыка двух композиторов, Пери и Каччини.

"Орфей уводит Эвридику из царства мёртвых" — картина кисти Жана Батиста Камиля Коро
"Орфей уводит Эвридику из царства мёртвых" — картина кисти Жана Батиста Камиля Коро

Версия Каччини была написана ранее версии Пери, однако не была поставлена на сцене, поэтому Пери и получил лавры первопроходца. Но сейчас мы сосредоточимся на «Эвридике» Каччини, поскольку финальный ансамбль всех персонажей оперы здесь – уникальное вокальное и музыкальное явление. Каччини писал, что видит в оперном пении облагороженную человеческую речь. Он стремился улучшить её, сделать благородной и приятной для слуха, поэтому финал его «Эвридики» звучит столь изысканно и проникновенно, будто создавая полную квинтэссенцию всего только что услышанного зрителем.

Оркестр Concerto Italiano, дирижирует Ринальдо Алессандрини

Примечательно и драматургическое завершение оперы Монтеверди «Орфей», увидевшей сцену в 1607 году в Мантуе. Там Орфей убегал, преследуемый вакханками, то есть зритель не видел его смерти, когда эти обезумевшие женщины разрывали его. Классическая трагедия эпохи барокко не могла закончиться на кровавой ноте, всегда должно было наступать облегчение. Но в либретто стояла именно смерть со всеми её подробностями. Монтеверди очень красиво обошёл этот момент – он просто не стал писать музыку для финальной сцены, оставив её для обычной декламации залу чтецом. Впоследствии он переписал и финальный хор, заменив вакханок на пастухов, прославляющих Орфея на фоне природы, решив музыку в мавританском стиле (мореска). Это одновременно учитывало и входившее тогда в моду в Европе увлечение восточным стилем, и полностью изменяло драматический посыл всего спектакля.

Оркестр Concerto Vocale, дирижирует Рене Якобс

Финал поставленной впервые во время карнавального сезона 1724 года в театре Капраника в Риме оперы Вивальди «Юстин» невероятно красив и нехарактерен для Вивальди. В его произведениях финальные ансамбли, как правило, довольно формальны, как и было принято в эпоху барокко. Однако здесь, дабы впечатлить римскую публику и поставить в опере причудливую и яркую точку, композитор идёт на вызов самому себе. Этот ансамбль сочетает в себе типично венецианскую мелодику и римскую драматургию. Юстин, как известно, был простым пастухом и стал ромейским (ныне принято называть его византийским) императором по воле случая. А Венеция почти на 70% культурно состояла из наследия Византии, преемницы Рима в Европе и Азии. Таким образом, финальный ансамбль оперы демонстрировал взаимосвязь культур и льстил римлянам, напоминая об их былом величии.

Оркестр Accademia Bizantina, дирижирует Оттавио Дантоне

1731 год был невероятно богат на громкие и успешные премьеры – Кальдара давал в Вене своих «Деметрия» и «Адриана в Сирии», Вивальди в Праге «Альвиду», Ристори «Календра» в Москве, Порта «Фарнака» в Болонье, Гассе «Клеофиду» в Дрездене. Не остался в стороне и Гендель. Он выпустил на суд лондонской публики оперу, сочинённую на то же самое либретто, что и у Гассе, только назвал её иначе – «Пор, царь Индии». Она повествует о завоевании Индии Александром Великим и о любви между местным царём Пором и Клеофидой, правительницей соседнего царства. Произведение получилось невероятно проникновенным и трагичным, поэтому его финальный ансамбль звучит сродни священнодейству, производя на слушателя неизгладимое впечатление. Труба, доминантой врывающаяся в музыку на протяжении ансамбля, словно вспышки молнии, добавляет финалу театрально-драматического эффекта.

Оркестр Europa Galante, дирижирует Фабио Бьонди, во вступлении солируют итальянское контральто Глория Бандителли и итальянское сопрано Россана Бертини

Отдавая дань повальной моде на всё турецкое, Моцарт в 1782 году сочиняет оперу «Похищение из сераля» на восточный сюжет и в восточной, «янычарской» стилистике. Вместе с тем он вкладывает в неё идеи масонской философии, призывающей к примирению между народами и их объединению. Поэтому его финальный хор янычар славит пашу Селима как проявление высшей мудрости и милосердия. Здесь мы получаем и типично турецкий стиль в музыкальном смысле, и философскую подоплёку в драматическом.

Оркестр Les Arts Florissants, дирижирует Уильям Кристи

Спустя пять лет Моцарт выпускает на пражскую сцену своего знаменитого «Дон Жуана». Она заканчивается тем, что «наказанный развратник» проваливается в ад под улюлюканье бесов, никаких финальных хоров или ансамблей там не было. Спустя полгода оперу ставят в Вене. Для этой постановки, дабы придать ей более морализаторский облик (спектакль в столице империи, как никак), Моцарт сочиняет дополнительно две арии, один дуэт и один речитатив, а также финальный ансамбль, в котором все оставшиеся в живых персонажи исполняют некое подобие moralitè, призывающее слушателей вести добропорядочный образ жизни. Драматургический посыл ясен, а музыкально у Моцарта, как обычно, всё роскошно.

Фрагмент спектакля Венской Штаатсоперы 1999 года, дирижирует Риккардо Мути

Финал знаменитого «Севильского цирюльника» Россини, о котором уже говорилось выше, в отличие от увертюры, оригинален. Композитору было необходимо сделать завершение оперы красивым, весёлым и мелодичным, под стать всему произведению, дабы сохранить его дух. И он не придумал ничего лучше, как использовать для его основы русскую плясовую, которую он как-то услышал на приёме у какой-то русской княгини. Если прислушаться, это очень чётко прослеживается в его музыке.

Солируют величайшие певцы XX века — итальянский баритон Тито Гобби, перуанский тенор Луиджи Альва и греческое сопрано Мария Каллас, дирижирует Альсео Гайера

Поставленные впервые в 1868 году «Нюрнбергские мейстерзингеры» Вагнера своим финалом несли явный политический контекст. Хор, прославляющий немецкий язык и культуру, а вместе с ними и священный германский Рейх, отражал современную композитору тенденцию к объединению нации в новую империю, которое благополучно состоялось спустя два года по итогам франко-прусской войны. Примечательно, что род Гогенцоллернов, возглавивший единую Германию, брал своё начало в глухом средневековье как раз в Нюрнберге. Совпадение? Или Вагнер сделал это намеренно?

Оркестр Дрезденской Государственной Капеллы, дирижирует Герберт фон Караян

Невероятно интересна история с финалом «Сказок Гоффмана» Оффенбаха. Композитор умер, оставив бумаги в беспорядке. Опера так и не была поставлена при его жизни, потому что писал он её до последнего часа. Ситуация осложнялась тем, что многие арии Оффенбах написал сразу в нескольких вариантах под разных певцов, поскольку импрессарио не решили, кто будет петь на премьере. В итоге на друга семьи Эрнеста Гиро, которому предстояло разобрать и систематизировать записи композитора, свалилась непосильная задача. Это учитывая, что премьера была не за горами, а театр требовал предоставить законченный вариант оперы в кратчайшие сроки. Слушая «Сказки Гофмана», я всегда и всё время ловил себя на мысли, что опере чего-то не хватает, она всегда казалась мне кургузой и недоделанной. А дело как раз в мсье Гиро, который наспех сляпал записи Оффенбаха так, как посчитал удовлетворительным. Казалось бы – это должен быть провал. Но гениальность музыки вывезла на себе даже кастрированный вариант. Ждать пришлось целых сто четыре года, когда все не вошедшие в версию Гиро сцены всплыли на аукционе Кристи в 1984 году. Их тщательно изучили, соотнесли с тем, что имелось, и оказалось, что опера феноменальна. Стелла, из-за которой вообще разгорается весь сыр-бор и которая в версии Гиро не произносит ни слова, в авторской версии Оффенбаха очень даже поёт, а заканчивается вся опера уникальным по своему звучанию хором, сродни церковному песнопению, дающим всему произведению и духовное, и музыкальное, и логическое завершение. Творец, потеряв всё, включая Музу, встаёт перед выбором – идти дальше или уйти в небытие.

Оркестр Лионской национальной оперы, дирижирует Кент Нагано

Такой же приём с церковной стилистикой использовал Чайковский в финале своей «Пиковой дамы». Это история человеческого безумия, когда на карту, в прямом смысле, поставлены любовь и счастье. Герман, выбрав тёмный путь к мечте, постепенно эволюционирует в своём сумасшествии, принося невольно в жертву и любимую, и себя, и собственную душу. Именно поэтому, когда в финале оперы он совершает самоубийство, его приятели-игроки провожают его распевным «Господь! Прости ему! И упокой его мятежную, измученную душу». Никакой другой музыкальной формой «Пиковая дама» просто не могла быть завершена.

Хор Тэнглвудского фестиваля, США — оркестр Бостонской филармонии, дирижирует Сейдзи Озава

Очень часто, дослушав и досмотрев оперу до конца, мы не задумываемся, почему она окончена именно так, а не иначе. Однако, если выстраивать последовательно всё действие произведения, шаг за шагом, можно легко увидеть, что финальный хор или ансамбль исполняется не просто так. Ведь опера – это не только красивая музыка и удовольствие, это ещё и смысл, хоть и условный порой. Всякий смысл предлагает задуматься над увиденным и услышанным, переключить эмоции на ум. А провожают, как мы помним, как раз по уму.

В завершении — вставная ария к венской версии «Дон Жуана» Моцарта, исполняет испанский тенор Пласидо Доминго

(c) petrus_paulus

promo lovers_of_art october 25, 2019 14:21 5
Buy for 10 tokens
Сообщество lovers_of_art, предназначено для тех, кто любит искусство во всех его проявлениях. Членом сообщества может стать любой желающий. Любой член сообщества может стать одним из его авторов. Правила сообщества очень простые: При общении быть взаимно вежливыми и избегать обсценной лексики.…

Error

default userpic

Your reply will be screened

Your IP address will be recorded 

When you submit the form an invisible reCAPTCHA check will be performed.
You must follow the Privacy Policy and Google Terms of use.